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Vous avez débuté votre activité de photographe amateur il y a un certain temps, peut-être grâce (ou à cause) aux lectures de différentes pages de www.thydelor.eu, vous avez déjà vécu l'angoisse de la page blanche (en réalité la perte de votre inspiration), vous vous dites que vous avez fini votre parcours, que vous n'avez plus rien à raconter, malgré les nombreuses propositions données dans ce site (ou peut-être quelques autres )... Vous gémissez en prenant conscience que vous n'évoluez plus et que vous n'évoluerez plus... autant tout abandonner tout de suite... NON, votre planche de salut se trouve dans l'évolution de vos capacités photographiques, nous allons essayer de voir comment devenir un meilleur photographe...

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Eh oui, voilà le maître mot (j'aurais même envie de rire en disant qu'il s'agit du maître maux, mais puisqu'il ne s'agit pas de pluriel dans la phrase, cela risque de dérouter nombre de mes contemporains ). Visitez tous les sites possibles et imaginables, lisez tous les magazines photo possibles et imaginables, la conclusion est univoque : hors d'un boîtier reflex super haut de gamme et d'une collection de 500 objectifs super haut de gamme... point de salut !!!

Non, vous ne rêvez pas, vous êtes bien en train de lire une rubrique de www.thydelor.eu, donc il ne s'agit pas de prendre cette introduction au pied de la lettre... vous me connaissez bien maintenant... mes conseils iront dans une toute autre direction bien sûr !...

Je vous ai déjà répété à maintes reprises que ce n'est pas le boîtier qui fait la photo (en réalité si, mais il ne fait que la photo "matérielle"—ce qui ne veut plus dire grand chose quand il s'agit de numérique—) mais bien le photographe qui commande le boîtier... et je ne vais pas changer d'avis pour cet article... quel que soit votre boîtier, il fera par-fai-te-ment l'affaire...

L'élément principal —au niveau matériel— est bien l'optique utilisée, ça aussi je l'ai déjà souligné à plusieurs reprises, mais ce chapitre s'appelle bien « devenir meilleur photographe » il n'a donc rien à faire avec le nombre ou la qualité des objectifs disponibles... Par contre, c'est bien au niveau des optiques que se situera ma technique pour améliorer votre photographie :

Pour devenir meilleur photographe, il faut et il suffit de connaître sa focale de prédilection (voir ici) et surtout ne rien acheter de plus que ce que vous possédez déjà (pour peu que vous possédiez déjà cette focale de prédilection !). L'idéal est de posséder un objectif à focale fixe qui correspond à votre focale de prédilection (qu'elle soit 28mm, 35mm, 50mm, 70mm —équivalent 24x36— ou autre). Si vous ne possédez qu'un zoom proposant (entre autre) votre focale de prédilection, il vous suffira d'acheter du gaffer et de régler la bague de zoom sur cette focale et de scotcher la bague de réglage du zoom de manière à transformer (provisoirement) votre objectif en focale fixe. Si, malheureusement pour vous, vous ne possédez qu'un compact à objectif zoom fixe, il sera impossible d'appliquer mon conseil... dans ce cas, oubliez votre focale de prédilection, réglez systématiquement votre zoom à la même valeur : soit en grand angle maximum, soit en téléobjectif maximum, soit ne jamais toucher au réglage du zoom si votre boîtier cale le zoom toujours à la même valeur lors de sa mise sous tension.

Et voilà, c'est tout !... N'achetez pas de matériel supplémentaire, même si tout le monde, stimulé par les industriels, vous a fait intégrer que le matériel photo est le paramètre d'une meilleure photographie. C'est effectivement une tentation tellement facile —et évidente— de laisser tout le travail au matériel photo et de se décharger de la responsabilité d'une mauvaise qualité d'image. Et pourtant, c'est exactement l'inverse dans la vraie vie... avoir moins de matériel photo permet au photographe de véritablement s'améliorer...

Ne me faites pas dire qu'il ne faut pas acheter plus de matériel... je serais mal placé pour vous imposer cela en voyant le matériel que je possède... chacun fait ce qu'il veut avec son argent et avec son plaisir, ce n'est pas moi qui vais critiquer... au contraire, je respecte, MAIS pour l'exercice d'amélioration, il est fortement conseillé d'enfermer son matériel supplémentaire bien à l'abri dans son sac photo et, pour un temps, n'utiliser qu'un seul boîtier et une seule focale d'objectif...

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Eh oui, comme nous venons de le voir, devenir meilleur photographe est totalement indépendant de son matériel (ou de son manque de matériel). En effet, il faut se poser la question de ce qu'est finalement la photographie pour pouvoir réellement évoluer...

Même si cela peut paraître bête à force d'être évident, il est indispensable de rappeler que faire une photographie c'est voir son sujet... et pour voir son sujet, il faut savoir regarder. Et, justement, dans notre monde actuel, où tout le monde est abreuvé (pour ne pas dire harcelé) d'images partout, on a tous perdu notre capacité à regarder... Et c'est valable pour toutes ses fonctions... à force d'être baigné par la musique on ne sait plus entendre, à force de manger des trucs prémâchés (j'exagère à peine !), nos mâchoires se rétrécissent (abandonnant au passage nos dernières molaires... on a cru que cela était du à l'évolution, on sait aujourd'hui que c'est une question d'adaptation à l'inutilité !).

Donc, pour faire de la bonne photographie, il va falloir réapprendre à regarder !... Et pour cela, aussi paradoxal que cela pourrait paraître, pour (ré)apprendre à regarder, il faut oublier totalement non seulement l'acte photographique mais la photographie au sens large !...

Selon la flexibilité de votre emploi du temps, offrez-vous chaque jour une « pause » de 5 minutes, ce n'est vraiment pas impossible, même avec la vie trépidante du XXIè siècle... Ne choisissez pas l'endroit, tout est bon, même et surtout les endroits de votre quotidien : domicile, bureau, usine, cantine, salle de classe, café, que sais-je encore... Cet exercice, bien évidemment devra se faire sans avoir le moindre matériel photo à porté de main, même pas un smartphone (!). Pendant ces 5 minutes, ne pensez à rien, laissez votre esprit ouvert à tout (évitez comme la peste le casque et le MP3 !) et scrutez votre environnement. Ne cherchez rien dans cet environnement, scrutez, c'est tout.

Cela prendra plus ou moins de temps, mais tout le monde arrivera au même résultat... pas de découragement ! Débutez déjà l'exercice... vous passerez ensuite à l'étape ultérieure.

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Pour savoir si vous êtes mûr pour la nouvelle étape, il faut que vous ayez pris conscience que vous êtes à présent capable de repérer des détails jusque là ignorés dans votre environnement quotidien. Il est maintenant temps de penser photographie. ATTENTION, je dis bien qu'il est temps de penser photographie, je n'ai pas dit qu'il était temps de faire de la photographie !!! C'est encore beaucoup trop tôt !

Puisque vous êtes capable de débusquer des détails, vous êtes potentiellement capable de trouver des sujets de photographie MAIS trouver une idée de sujet n'est pas trouver un sujet photographiquement exploitable !... Si vous photographiez ces détails, vous obtiendrez probablement des images originales mais certainement pas (sauf coup de chance) des images intéressantes, parlantes et agréables...

Il faudra s'efforcer, lors de cette étape de rééducation de l'œil, de se fixer sur un détail qui pourrait faire une photo, de l'isoler totalement de son contexte réel (mentalement bien sûr !) et chercher s'il ne pourrait pas être plus puissant vu sous un autre angle, vu de plus haut ou de plus bas, tourner autour, dans la mesure du possible et visualiser que tel angle est meilleur ou pire que l'angle précédent.

Faites de même pour chaque détail qui aura pu attirer votre œil lors de votre recherche journalière de 5 minutes...

Cette étape peut également être plus ou moins longue selon les personnes, mais donnez-vous le temps nécessaire avant de passer à l'étape suivante...

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Vous avez maintenant la capacité de trouver des sujets, vous savez trouver le meilleur angle MAIS ce n'est pas tout ! Ce qui fait la photographie c'est, outre le sujet qui finalement n'a qu'une importance secondaire, c'est plutôt la capacité de retirer la beauté et/ou l'information (réelle ou construite) que l'on peut tirer du sujet !...

Il faut maintenant apprendre à placer son sujet dans le cadre de son support (film ou capteur numérique) en fonction du grossissement offert par sa focale de prédilection (cf premier paragraphe) et apprendre à jouer avec la lumière... En effet, c'est bien la somme sujet + cadrage + composition + angle de prise de vue + éclairage qui fera la bonne photographie. Bien sûr, il y a aussi l'exposition, mais ça ce n'est que de la technique... et la technique vous la possédez déjà puisque vous avez pris conscience du manque de qualité de vos images...

Pour réussir cette étape, la plus frustrante de toutes, je vous proposerai de vous munir de votre boîtier sur lequel vous aurez monté votre objectif de prédilection MAIS de ne pas charger votre appareil !!! Il ne s'agit pas encore de faire des photos !!! Ainsi, emportez votre matériel mais oubliez volontairement vos films ou cartes mémoires chez vous... et si la mise au point peut se faire manuellement, allez jusqu'à « oublier » la batterie !!!

Ne considérez pas cette étape comme une balade photographique... elle est strictement identique aux étapes précédentes, une pause de 5 minutes dans votre environnement quotidien, ni plus, ni moins.

Cet exercice doit vous permettre de restreindre le champ de vision que vous avez acquis lors de la première étape au champ de vision de votre focale de prédilection. Elle vous permettra également de mieux apprivoiser toutes les étapes précédentes au travers de « l'œil de l'appareil photo ». Vous pourrez mieux isoler les effets de la lumière (zones bien éclairées, ombres portées), la forme de votre sujet, ses couleurs (ou ses niveaux de tonalités), sa structure, sa texture, etc.

Mais au-delà de cette recherche (ou de cette découverte), l'exercice va vous apprendre à arrêter le temps... faire de la photographie, même d'action, exigera toujours que vous vous placiez en retrait de la temporalité de la scène photographiée. Personnellement, mais je ne suis toujours pas un modèle à suivre —loin de là —, j'ai appris, par la force des choses, à prendre mon temps dans la création d'une image en faisant du moyen format « cubique » dont la mise en œuvre est très longue (moins qu'en grand format !)... mais je ne pouvais décemment pas vous demander d'acquérir un système moyen format (ou grand format) uniquement dans le but de réussir cette étape... cela irait à l'encontre de la philosophie de mon site...

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Vous avez maintenant atteint l'avant dernière étape de ma technique. Elle vous permettra, enfin, de vous retrouver dans la peau d'un photographe, même si vous devez toujours vous considérer comme un apprenant !...

Cette fois, vous allez vous armer de votre boîtier équipé de votre objectif de prédilection MAIS également équipé d'une batterie ET d'un (ou plusieurs) film(s) ou carte(s) mémoire. Vous allez programmer un après midi ensoleillé en pleine nature, dans un endroit que vous avez toujours considéré comme « sans intérêt photographique ». Prévoyez une sortie d'au moins 3 heures et, reprenez les étapes précédentes pour finir par créer des images bien réelles cette fois !... Si vous faites du numérique, ne vérifiez surtout jamais le résultat sur votre écran LCD arrière.... attendez d'être de retour à la maison pour développer vos films ou pour visualiser vos images sur l'ordinateur...

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Vous voilà arrivé au bout de l'épreuve, pas si désagréable que ça, avouez ...

Il faudra maintenant que vous endossiez le costume du critique à la dent dure. Critiquez chacune de vos images récoltées lors de la précédente étape. Il ne faut rien laisser passer, rien !... Mauvais cadrage, mauvaise composition, mauvaise symétrie, ombres désagréables, images plates, images inintéressantes, tout doit y passer... et pas de pitié, vous devez vous « casser »...

Notez le nombre total de photos récoltées. Comptez le nombre de photos que vous trouvez « bonnes ».

Si vous obtenez 25% de bonnes images (ou plus), vous n'avez pas un jugement assez sévère. Essayez encore.
Si vous obtenez 10% de bonnes images, vous pouvez reprendre votre parcours photographique, vous progresserez à coup sûr.
Si vous obtenez moins de 5% de bonnes images, poursuivez votre rééducation encore un peu...

Si vous vous sentez prêt, prévoyez systématiquement une critique sévère de toutes les images qui verront le jour après votre rééducation et gardez les bonnes images que vous pourrez re-critiquer dans quelques mois puis une année... vous constaterez que votre progression est en route !...

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Puisque vous avez réussi à intégrer les conseils d'ordre général, il ne faut pas s'amputer de quelques points plus bassement techniques pour exploser ses capacités à obtenir de meilleures photos... Je vous proposerai donc cinq petits exercices à appliquer dès que possible, l'idéal étant de les pratiquer tous les jours, mais il ne faut pas rêver... qui peut faire de la photographie tous les jours ? Aussi, chaque fois que vous trouvez un moment dans votre vie trépidante, empoignez votre boîtier et pratiquez ces petits exercices jusqu'à ce que vous vous sentiez réellement à l'aise avec eux...

ATTENTION : ces exercices ne doivent en aucun cas vous faire oublier ce qui a été dit dans les articles précédents !... Ils viennent en plus, bien sûr !...

1) Utilisez la mesure SPOT pour déterminer l'exposition de vos photos.

J'ai parlé des modes de mesure de l'exposition dans une autre page. Je ne dis pas ici qu'il faut oublier tous les autres modes de détermination de l'exposition... je vous propose de n'utiliser que la mesure spot pour l'exercice... Hors exercice, libre à vous d'utiliser les autres modes !...

Pourquoi proposer cette méthode exclusivement ? Tout simplement parce que le mode multizone est trop efficace et trop simple d'utilisation ! Si vous vous fixez au mode multizone, jamais vous ne saurez déterminer les différentes luminations et jamais vous ne saurez influencer le résultat de vos images. La mesure spot, au contraire, demande une bonne compréhension de la scène à photographier, elle impose la détermination de la zone à prendre en compte, elle impose éventuellement la nécessité de faires des moyennes de plusieurs mesures !... Sans compter que tout efficace que soit le mode multizone, jamais personne ne pourra vous garantir qu'il vous servira efficacement dans tous les cas... alors que la mesure spot, une fois bien comprise et bien appliquée, vous garantira une réussite à 100% de toutes vos expositions, même en situations très difficiles d'écarts de lumination !...

Le système standard de mesure spot permet d'effectuer la mesure sur une zone extrêmement réduite de la scène à photographier qui, à elle seule, devra déterminer les paramètres pour une exposition moyenne de toute la scène. De ce fait, vous devez être capable de définir précisément (avec beaucoup de soins) la localisation de la zone spot de mesure... il faut étudier précisément la scène et décider de la meilleure zone où effectuer la mesure...

Et le seul moyen d'apprendre à déterminer le meilleur placement possible de la zone de mesure est : l'échec !... Donc effectuez cet exercice soigneusement et, le jour où vous obtiendrez 100% d'images correctement exposées, vous aurez compris et l'exercice sera une réussite !... Ce jour là, vous pourrez toujours décider de poursuivre l'exercice avec un autre mode de mesure et de tous les apprendre de la même manière !...

2a) Développez rapidement le film si vous faites de l'argentique

N'allez pas faire vos exercices et attendre d'avoir 50 films exposés pour les développer !... Il faut être capable d'analyser vos images alors que vous êtes encore bien imprégné de la situation dans laquelle vous vous trouviez lors de l'exercice... faute de quoi cet exercice sera sans intérêt. Le but de l'analyse consistera à juger l'image de la même manière que vous analyserez l'histogramme en numérique (voir plus bas en 2b)

2b) Vérifiez l'histogramme si vous faites du numérique

Si je disais plus haut de ne pas vérifier le résultat de l'image à peine capturée sur votre écran LCD, il en va tout autrement de l'histogramme, pour l'exercice tout du moins... Il suffit de régler son boîtier de manière à ce qu'il affiche sur l'écran LCD l'histogramme plutôt que l'image capturée (dans la mesure du possible) ou au moins l'histogramme (ou les 3 histogrammes RVB) et une toute petite image.

Vous pourrez trouver tout ce qu'il y a à savoir sur les histogrammes dans une autre page du site, mais pensez à vérifier systématiquement vos expositions via l'histogramme après votre détermination par mesure spot...

Pourquoi vérifier systématiquement l'histogramme (dans le cadre de l'exercice !) ? Tout simplement pour acquérir la compréhension de la répartition de la luminosité dans les scènes capturées et, accessoirement, comprendre si votre image est sur ou sous exposée, même sans visualiser l'image résultat...

3) Utilisez le mode d'exposition manuel

Les modes programme, automatique et semi-automatique, sont efficaces mais trop simples. Pour pouvoir réellement décider ce que devra être votre image finale il faut absolument être capable de déterminer manuellement ses paramètres d'exposition.

Le mode d'exposition manuel va vous forcer à penser à la luminosité du sujet dans son environnement mais en plus, de mener cette réflexion en tenant compte des impératifs de profondeur de champ ainsi que des impératifs d'éviter les flous de bougé !... En plus, ce mode est excellent si combiné à la mesure spot que je propose pour cet exercice puisqu'il vous oblige à être capable de sélectionner les réglages d'exposition qui fonctionneront pour une zone spécifique de la scène à photographier...

4) Déterminez un équilibre des blancs personnalisé

La balance des blancs automatique est globalement efficace mais trop simple d'utilisation !... Il faut que vous soyez capable de définir manuellement le meilleur réglage de manière à ne pas être « coincé » face à une scène comportant plusieurs sources de lumières de températures de couleur différentes. Cas de figure où la balance des blancs automatique est inefficace !...

La détermination manuelle de l'équilibre des blancs est assez difficile pour le débutant puisque l'utilisation de la carte d'équilibre (blanc ou gris neutre) peut donner de mauvais résultats selon son orientation face à votre objectif !...

Apprenez à régler manuellement l'équilibre des blancs avec votre boîtier et expérimentez en maintenant la carte de balance des blancs (un simple carton blanc ou gris neutre fera très bien l'affaire) sous différents angles devant votre objectif en fonction de la localisation de la source (ou des sources) de lumière pour comprendre et ainsi apprendre à vous tirer d'affaire dans toutes les situations difficiles d'éclairage...

5) Sélectionnez UNE image par jour

Plutôt que de "stérilement" faire des images pour faire l'exercice, apprenez donc à tout mener de front en faisant l'exercice MAIS déjà dans le but de faire de bonnes images !... Sélectionnez donc une image par jour d'exercice, il faut que cette image soit digne d'être tirée (ou imprimée) et affichée sur un mur de votre maison (au moins de votre bureau !).

Cette partie de l'exercice va vous forcer à aiguiser votre esprit critique afin d'identifier la photo qui sera la plus méritante à chaque jour d'exercice.

Quand vous estimerez que cet exercice est terminé, quand vous serez sûr d'être très à l'aise avec tous ces aspects techniques, reprenez toutes les images « gagnantes » et exposez-les à la critique d'autres photographes de votre entourage. Évitez les publications sur les réseaux sociaux, vous connaissez mon point de vue à leur sujet, où on ne retrouve que des compliments même face aux images les plus loupées qui soient.

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En lisant les articles ci-dessus, et en (re)lisant l'anecdote ici, vous comprenez immédiatement que la création photographique, en cours de formation, en cours de perfectionnement ou même lors de la pratique courante, exige une attention de tous les instants et, souvent, la nécessité de suspendre toute activité pour attendre le meilleur moment pour déclencher !...

Cela ne parait pas mais croyez moi, cette exigence vous rend tout bonnement asocial ! Et j'ai testé pour vous !... Dans l'espoir de revenir avec d'excellentes images, emportez votre matériel photographique avec vous lors d'une balade programmée, en couple ou entre amis. Il n'y a que deux possibilités : soit vous revenez sans la moindre image digne de vos espérances, soit vous voilà engagé dans une action de séduction visant à vous réconcilier avec votre conjoint ou avec vos amis !... Et ceci ne se limite pas à la sortie photographique... imaginez-vous avec une bande d'amis au bord d'un stade pour couvrir une rencontre sportive... même résultat ! De la photographie de studio ? Imaginez une bande d'amis dans le studio pendant que vous êtes en train de travailler avec un modèle... vous perdrez ou bien le modèle ou bien les amis (ou bien les deux !). Et on pourra retrouver le même cas de figure, quel que soit le type de photographie envisagé !...

Même si l'acte photographique amateur n'est pas vital, si vous souhaitez évoluer et obtenir de bonnes images, il n'y a pas 36 solutions : il faut s'imposer un minimum de sérieux !... Seuls les lomographes s'appliquent à tout prendre à la légère et à la dérision mais leur but avoué n'est pas la bonne photo recherchée et travaillée, c'est le fun qu'ils recherchent, tant à la prise de vue qu'au visionnage des résultats... Je ne critique pas cette approche, au contraire, je stimulerai même mes contemporains à s'essayer à l'exercice (uniquement comme une récréation dans un parcours plus poussé), mais il faut systématiquement adapter son état d'esprit au type et à la qualité de photographie que l'on recherche...

L'isolement du photographe lui ouvre tous les sujets, tous les horizons. En plus, cet isolement ne le freinera pas dans sa démarche... il pourra virevolter si nécessaire, rester statique pendant des heures si nécessaire, personne ne le dérangera et il ne dérangera personne. L'isolement apporte au photographe toute la sérénité nécessaire à la création photographique.

Dans le titre de l'article je disais « solitaire mais pas seul ». Il est vrai que ça ne veut pas dire grand chose, mais c'est plutôt accrocheur comme titre non ? Bref. Si la création impose la solitude, une fois la création terminée, le photographe en besoin d'évolution a le devoir de retourner vers les autres ! Rester isolé après la création est contre productif pour au moins deux raisons : les images créées resteront inconnues donc perdront une grande part de leur intérêt et, en plus, l'absence d'échanges ne permettra jamais de connaître la véritable valeur de ces images ainsi créées donc l'évolution de sa pratique photographique sera stoppée net !...

Voilà donc le message que je souhaitais faire passer dans cet article : apprenez à vous isoler pour créer, c'est un exercice excellent et très efficace, mais surtout, une fois les images terminées, apprenez à vous entourer, votre entourage proche c'est très bien, d'autres photographes amateurs c'est encore mieux, des photographes professionnels peuvent également apporter une vision positive mais uniquement s'ils sont capables de pédagogie (sinon, autant les éviter !). Les clubs photo retrouvent ici toute leur valeur mais attention : allez voir mes autres pages dans lesquelles je vous parle du choix judicieux de votre club photo !... Par contre, et ça aussi je le répète, évitez comme la peste les sites de partage d'images... ils n'apportent rien de bon (et au passage, on y vole vos photo : souvenez-vous de ce « photographe » américain qui imprimait des captures d'écran des photos des autres et qui les vendait plusieurs milliers d'euros chacune, sans reverser le moindre centime au véritable auteur, bien sûr !).

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Oh la vache... il m'arrive d'utiliser des titres accrocheurs, mais là !...

Bon, chose promise, comme on dit, voici ces 3 points :

— 1) Devenir réellement bon. Et bien oui, cela est une lapalissade, je suis sûr que si quelqu'un demande comment réussir, il ne s'attend pas à ce genre de réponse... et pourtant, c'est LA SEULE réponse qui soit !... Ce n'est pas en proclamant sa supériorité, ce n'est pas en s'affublant du titre de photographe voire d'artiste, ce n'est pas en se faisant de la pub qu'on progressera, tout au plus on fera croire aux gogos qu'on est bon, mais on ne trompera pas ceux qui s'y connaissent un peu et, plus important encore, on ne se trompera jamais soi-même !... La frime peut dorer un blason, mais jamais bien longtemps, c'est la qualité de ses images qui déterminera la véritable valeur du photographe...

— 2) Je ne sais plus quel philosophe disait qu'il fallait investir 10.000 heures de sa vie dans une activité pour devenir un expert. Cela revient à dire qu'en temps que professionnel (quelle que soit la profession), vous ne pourrez pas être considéré comme expert avant d'avoir pratiqué au moins 5 ans à temps plein (temps de formation exclu !) [franchement, personnellement j'aurais plutôt dit 10 ans, mais je ne suis pas philosophe !...]. Et bien, la photographie est une activité comme une autre, même si nous ne souhaitons pas en vivre, il nous faudra 5 ans en équivalent temps plein pour être en mesure de réussir la majorité de nos images (notez que je n'ai pas dit toutes nos images !)... Ça fait beaucoup si on ne peut investir que quelques heures par semaine !!! Bien sûr dans notre monde 2.0 on veut tout et tout de suite, donc on se convainc que prendre (je n'ai pas dit faire !) des photos avec son smartphone et les publier sur les réseaux sociaux suffit à nous propulser immédiatement au sommet de l'art photographique... mais c'est la grande escroquerie de notre siècle, donc je m'inscris en faux en prêchant encore et toujours pour le travail personnel, bien plus efficace et bien plus valorisant, même si très long !...

— 3) Ne cessez jamais de pratiquer, d'apprendre, de vous former, d'être curieux de ce que font les autres, de vous cultiver, d'essayer, de rater, de vous reprendre, de vous critiquer, de tirer les leçons de vos échecs, de chercher à savoir où vous en êtes, de chercher à définir où vous voulez arriver, de pousser vos limites, de pousser toujours plus loin vos recherches quitte à ce qu'elles n'aboutissent nulle part, de pousser votre créativité, d'avoir des projets… Ne croyez pas qu'il existe une « formule magique » qui va construire votre succès à votre place. Il existe aujourd'hui une très large gamme de matériels qui vous donne accès à toutes les possibilités, des tas de sites internet sérieux (évitez donc les autres -plus nombreux-) pour vous accompagner, des clubs de passionnés... et surtout, il y a vous et votre curiosité !... Prenez votre passion en mains, ne renoncez pas devant les difficultés, faites preuve d'une détermination à toute épreuve...

Finalement mon titre n'était pas aussi pompeux qu'il n'y parait... en 3 points, je vous ai effectivement donné toutes les clés de votre futur succès... Ce n'est pas très didactique, certes, mais il est indispensable de marteler ces notions, encore et encore... Et puis, si vous alliez lire ces quelques pensées ici, elles devraient vous aider à ouvrir quelques portes...

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C'est peut-être aussi simple que cela ! Alors qu'en début de parcours photographique, on cherche souvent à expliquer les images alors qu'elles sont déjà créées, pour évoluer, il est préférable de créer l'image dans sa tête avant de déclencher. Et pour créer une bonne image avant de déclencher, il suffit de se poser les bonnes questions qui feront toute la différence !...

Bien sûr, il n'est pas question de perdre des heures à se questionner (même si je milite pour la lenteur en photographie), cet exercice ne demande que moins d'une seconde ! Le nombre de questions à se poser est limité donc il serait stupide de s'amputer de ce super moyen de créer de bonnes images à coup sûr !...

Pour une efficacité maximale de la technique, il faut vous mettre dans une situation mentale telle que vous n'avez plus la possibilité de faire 2 images... ce sera celle-là et pas une autre !...

PREMIÈRE QUESTION
Face à la scène affichée dans son viseur, il faut se demander quel est le sujet de mon image ? Cela semble stupide (!!!) on est en fin de création de l'image puisqu'on se pose la question juste avant d'appuyer sur le déclencheur... donc tout le travail est fait : choix du sujet, composition, exposition etc... Et bien NON ! La création mentale de l'image peut être assez vaste dans l'espace situé devant soi, alors que maintenant que l'on ne se base plus que sur l'espace limité du viseur, c'est le dernier moment pour vérifier si ce cadre resserré n'a pas corrompu l'idée d'origine... donc de vérifier qu'à la vision du contenu du viseur, le sujet de l'image est toujours évident ! Il faut être capable d'identifier immédiatement le sujet et vérifier qu'il est bien mis en valeur. Si ce n'est pas parfait, il est encore temps de corriger.

DEUXIÈME QUESTION
N'y a-t-il pas des éléments parasites dans mon image ? En effet, la création mentale de l'image est assez longue et complexe et ces éléments parasites sont souvent ignorés alors qu'ils gâcheront tout !!! Et ce n'est pas parce qu'en numérique on peut toujours effacer les erreurs à postériori qu'il faut négliger ce point !!! Moins il y aura de travail en post-traitement et mieux ce sera !... Le moindre élément perturbateur dans l'image va empêcher la mise en valeur du sujet, il faudra donc tout faire pour éviter leur présence et réserver le post-traitement quand il est impossible de le faire sortir du cadre.
Si on souhaite être encore plus perfectionniste, il faudra remplacer cette deuxième question par : est-ce que chaque élément présent dans le cadre sert réellement mon sujet ? Bien que cela semble revenir au même, cette question alternative permet la perfection et de ce fait complique extraordinairement la création de l'image. En effet, tournée ainsi, la question devra prendre en compte le moindre reflet, le moindre point de haute lumière qui ne peut pas être considéré comme un élément parasite mais qui peut très bien ne pas servir le sujet et donc être éliminé !...

TROISIÈME QUESTION
Mon cadrage, ma composition servent-ils mon sujet ? Parfois un pas en avant ou en arrière, un pas à droite ou à gauche, dix centimètres plus haut ou plus bas peuvent transformer la force de l'image du tout au tout ! Aussi, avant de déclencher il faut s'assurer que la composition est au meilleur.

QUATRIÈME QUESTION
Quel est le but/ le message de ma photo ? C'est la dernière question à se poser mais c'est également la plus importante ! Si la réponse à toutes les questions précédentes est « oui », l'image sera techniquement parfaite mais si la réponse à cette dernière question est « pas évident », autant ne pas déclencher... la photo sera incompréhensible, il faut la retravailler !...

Vous voyez, ce n'est pas la mer à boire, c'est vite fait mais cela empêchera certainement 90% de vos déclenchements (au début) puisque ces 4 petites questions simples vous font prendre conscience que vous ne savez pas encore parfaitement comment exprimer en image ce que vous voulez dire. C'est cet exercice apparemment freinateur qui vous fera faire le bon (probablement) le plus significatif dans la qualité de votre production...

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Vu le titre, vous allez penser que je vais encore vous livrer un article pessimiste... Et bien pas du tout !... D'ailleurs, franchement, y a-t-il beaucoup d'articles pessimistes dans ce site ? Je ne pense pas !... La photographie est une école de l'optimisme... les grincheux n'ont qu'une espérance de vie photographique très courte !...

Alors, pourquoi parler du train en marche ? Tout simplement parce que la photographie n'est pas une invention récente et le numérique n'est qu'une technologie qui ne l'a en rien rajeunie !... Donc, forcément, tout, absolument tout, a déjà été fait, publié, exposé, "copyrighté"... Ah bon, c'est de l'optimisme ça ? Pas de panique, le ton va changer !...

Puisque tout a déjà été fait, tout ce que nous pouvons produire de nos jours n'est que du plagiat ou, au mieux, du « à la manière de »... Et bien, pas du tout ! Et je vais prendre deux analogies pour vous montrer que même si théoriquement on est acculé à l'improductivité, ce n'est pas le cas !...

Première analogie : le langage. Tout le monde apprend à parler en imitant son entourage, ses parents, ses professeurs, les auteurs classiques puis moins classiques. En littérature aussi tout a déjà été fait... et pourtant, combien de prix Nobel de littérature, combien de prix littéraires sont discernés tous les ans ? Placerions-nous au pinacle de simples imitateurs ? Non, bien sûr !

Deuxième analogie : deux personnes peuvent très bien avoir la même idée en même temps (ou non d'ailleurs). Elles vont donc créer en même temps (ou non), quasiment la même chose, y aura-t-il plagiat pour autant ? Les Maya ont construit des pyramides, les Égyptiens aussi, qui a plagié l'autre ? Vu les distances qui séparent les deux peuples, même si une pyramide a vu le jour avant sa première concurrente, on pourra difficilement parler de plagia ! Non ?

En photographie il en va de même ! Supposons que l'on puisse caractériser l'évolution photographique d'un individu avec des chiffres et des équations (oui, je sais, je dis bien : supposons !). Supposons encore que la compétence photographique présente un maximum qu'il sera impossible de dépasser (oui, à nouveau je dis bien : supposons !). On pourrait schématiser le parcours photographique de l'amateur comme suit :

Au départ, il n'y connait strictement rien, il part de zéro, disons qu'il ne fait que des selfies avec son smartphone et qu'il décide de s'acheter un vrai appareil photo pour apprendre la photographie. Il est intéressé donc, il lit beaucoup, il va chercher des renseignements sur internet (sur mon site par exemple ), il fait des tests, il observe les maîtres, bref, il évolue très rapidement. Bien sûr, il ne créera rien de vraiment génial mais qui ne manquera ni d'intérêt ni de qualité pour autant. Cette évolution rapide durera grosso-modo une paire d'années avant de se tasser. Là il prend conscience que son travail part dans tous les sens, en fait qu'il commence à tourner en rond. C'est à ce moment qu'il découvre qu'il doit découvrir son propre style. Il reprend donc son bâton de pèlerin et son évolution repartira de plus belle pendant encore une paire d'années. Puis sa production arrivera à un maximum qui lui correspondra... il aura atteint sa plénitude photographique ! Sur le schéma, j'ai fait plafonner l'évolution de l'amateur à 80%, j'aurais pu la bloquer à 20%, quelle importance cela aurait-il ? Du moment qu'il aura atteint sa plénitude ! Je n'ai pas voulu le limiter à plus de 80% du maximum supposé des possibilités photographiques sans quoi il ne serait plus un amateur mais un véritable génie !...

Lors de la première évolution fulgurante, l'amateur se trouve en lieu et place de celui qui apprend à parler. C'est un imitateur mais un chercheur en même temps. Puis son évolution marque un ralentissement puisqu'il s'aperçoit que s'il sait parler, lire et écrire, il ne sait pas encore raconter des histoires qui se tiennent, il possède tous les outils mais il n'a aucun moyen de publier le moindre roman. Il pousse donc ses études plus avant puis, lors de sa deuxième évolution, il aura trouvé non seulement la capacité de raconter mais d'inventer des histoires et il peut les publier sans soucis... Il a atteint sa plénitude... il n'obtiendra certainement jamais le prix Nobel de littérature mais il aura trouvé ses lecteurs et il s'épanouira dans son art !...

Voilà ce qu'est devenir un meilleur photographe ! Il suffit de faire un petit détour et raconter l'histoire de non-photographes pour mieux comprendre ce que je dis à longueur d'articles...

Mais, en photographie amateure (je crois que la nouvelle orthographe a prévu la féminisation), à quoi correspond ce que je viens d'appeler « il aura trouvé non seulement la capacité de raconter mais d'inventer des histoires et il peut les publier sans soucis... » ? Tout simplement, « trouver son propre style »... Son style, en fait, ce n'est rien de plus que l'intégration de toutes les expériences personnelles qui resurgissent dans le travail photographique. Ces expériences personnelles n'ont pas forcément de rapport avec la photographie ! Sa culture littéraire, sa culture cinématographique, sa culture politique, sa culture éthique, sa culture religieuse, sa culture professionnelle, sa culture culinaine même, et que sais-je encore, sont autant d'éléments qui font d'un être humain un être unique et d'un photographe amateur un photographe unique !... Son « style » est en réalité sa « personnalité » qui transparait dans ses images. Pour rester au niveau des mathématiques débiles de cet article, on pourrait dire que :

STYLE = PERSONNALITÉ = Σ (expériences)

Partant, une fois arrivé au stade de plateau, quand bien même on ferait exactement la même photo que quelqu'un d'autre, elle ne pourra être que totalement différente !...

C'est très joli tout ça, mais comment faire transparaître sa personnalité dans ses images ? Notre thésaurus visuel personnel, acquis au fil des ans, est essentiel dans la construction d'une esthétique toute personnelle quant à la reproduction du monde. Plus nous consommons des cultures, visuelles ou non, et plus notre thésaurus sera complet et riche. Pour s'imprégner d'esthétique graphique, à mon humble avis, il faut consommer le plus possible d'images qui demandent de l'attention et de l'étude au calme : images de livres d'art, d'expositions, de musées etc. Les acquisitions contemplatives étant les plus riches et les plus durables... J'ai toujours dit que l'amélioration de sa photographie dépendait de ses recherches, mais, plus profond encore, la recherche de sa culture graphique enrichira d'autant ses recherches photographiques. L'inspiration, en fait, n'est rien de plus qu'un ensemble de paramètres (la vie, la chance, les circonstances) qui permet l'émergence de sa culture face à un sujet photographique potentiel.

Le principal, pour devenir meilleur photographe, est donc l'enrichissement culturel personnel. La transposition de nos richesses vers nos images devient progressivement un phénomène inconscient et automatique... moins on essayera de coller à son style et plus on y parviendra...

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Voilà vraiment une excellente idée ! Je fais, en effet, partie de ceux qui pensent qu'une formation académique est systématiquement préférable. Si l'empirisme peut aboutir à la maîtrise, il aboutira plus probablement à la déroute ! Quel que soit le monde dans lequel on souhaite évoluer, technique, scientifique, quelle que soit sa discipline, un minimum de connaissances théoriques solides doit être acquis et intégré avant d'espérer atteindre une certaine maîtrise. Et la photographie est certainement un domaine qui ne fait pas exception à la règle… Les photographes de génie sont rares, si encore ils existent, mais il en va de même des mécaniciens, des ingénieurs, des vétérinaires (etc.) tous doivent passer par une phase d'apprentissage fondamental.

La photographie, en tant que technique doit s'apprendre. En tant que science, elle n'existe plus, tout semble avoir été inventé. En tant qu'art, si une formation est possible elle n'est pas indispensable. Donc il faut absolument s'astreindre à un apprentissage poussé de la technique photographique, apprendre la chimie (la physico-chimie) pour faire de la photographie argentique est franchement superflu, apprendre les logiciels de post-traitement est fortement recommandé pour faire de la photographie numérique, mais pour ce qui est de l'art photographique, aucun maître ne pourra vous enseigner.

Dans ces conditions que pourraient vous apporter des cours magistraux de photographie ? La technique photographique est très simple, elle consiste à comprendre et à manipuler quelques rares paramètres comme la sensibilité, la vitesse et l'ouverture du diaphragme. Rien qui ne justifie un cursus universitaire ! Quelques films gaspillés ou quelques photo numériques effacées feront largement l'affaire, pour peu que vous soyez attentif à ce que vous faites et à ce que cela entraine sur le résultat final. Bien sûr, des notions approfondies d'optique seraient les bienvenues, mais pensez-vous que les grands photographes soient diplômés des grandes écoles d'optique ? Cela m'étonnerait ! Les connaissances théoriques ne sont pas indispensables, la pratique seule avec un minimum d'attention et d'application ainsi que la lecture de quelques livres et quelques sites internet sérieux devraient pouvoir suffire dans votre pratique quotidienne de photographe amateur. Bien sûr, si vous envisagez le grand format, des notions d'optique plus approfondies seraient les bienvenues, mais là encore, la pratique et la lecture de quelques livres et quelques sites internet sérieux devraient vous permettre de tout gérer convenablement. Si la parfaite compréhension des réactions chimiques lors du développement des films argentiques est très intéressante, l'expérimentation et encore une fois la lecture de quelques livres et quelques sites internet sérieux devraient vous permettre de vous en sortir très acceptablement. Les logiciels de post-traitement sont très compliqués à utiliser, la théorie du post-traitement lui-même ne peut être inventée mais franchement, en tant qu'amateur, perdre quelques heures à fabriquer des horreurs et la lecture de quelques livres et quelques sites internet sérieux devraient vous permettre de débuter un travail sérieux. Quant à l'art, soit vous l'avez en vous de naissance (même s'il doit se développer par la suite) soit vous ne l'avez pas (!...) et faire cinq ans d'études aux Beaux Arts n'y changera rien.

Tout ce que je viens de dire pour le photographe amateur peut très bien être étendu aux photographes professionnels (certains d'entre eux du moins), tous –et de loin– ne sont pas diplômés des grandes écoles de photographie !...

Si dans les pays industrialisés les offres de formation académique sont nombreuses, peu sont ceux qui en ont suivi les cours pour faire de la bonne photographie, en professionnel ou en amateur. Dans les pays en voie de développement une telle offre n'existe probablement pas et cela n'empêche nullement l'existence de grands photographes !...

Bien sûr, il y a des cours qui enseignent les principes fondamentaux de la composition, de l'exposition et de l'éclairage artificiel, etc. Mais grâce à notre soif de connaissances, nous avons tous développé une culture photographique très intéressante par le biais de tous ceux qui, parmi nous, ont décidé de partager leurs connaissances bibliographiques, techniques et scientifiques via le net par exemple.

Il existe également de nombreux stages organisés par des photographes, s'ils peuvent être très intéressants, ils ne pourront jamais apporter les connaissances fondamentales que seules les institutions universitaires fournissent... et si ces stages (chers) peuvent être des accélérateurs, les auto-formations (gratuites) permettent le même résultat avec un peu de patience...

Pour le reste, comme je le répète pratiquement dans toutes les pages de mon site, le secret c'est la pratique, la pratique, la pratique et encore la pratique. Puis la critique, la critique et encore la critique de sa propre production. Il suffit d'ajouter à cela un zeste de curiosité et un soupçon d'enrichissement de sa culture personnelle pour réussir en photographie (encore faudrait-il définir ce qu'est la réussite en photographie !).

Bon, maintenant, si vous souhaitez vous former « en profondeur », il existe de nombreux centres de formation et même par correspondance et même sur internet (formation payante mais diplômante), je ne pourrai que vous féliciter d'avoir obtenu un diplôme et d'avoir acquis le parfaite connaissance de tout ce que rassemble la photographie, mais avouez que la pratique en dilettante n'est pas inintéressante et que l'amour de la bonne image spontanée n'est pas déplaisante non plus…

Si vous souhaitez étudier, super (!) mais étudiez pour une formation professionnelle solide, étudiez pour évoluer dans votre spécialité, vous pourrez être un parfait professionnel ET un photographe. Si, maintenant, vous étudiez la photographie vous deviendrez –probablement (mais pas certainement !) – un excellent photographe mais jamais vous ne pourrez être photographe ET un parfait professionnel (autre que photographe)…

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Non, je ne vais pas me lancer dans un cours théorique sur l'anatomie et la physiologie de la vision, cela n'a aucun intérêt dans le cadre de ce site !... N'allez pas sauter sur internet à la recherche d'une définition exhaustive du terme de vision, ne ressortez pas non plus votre dictionnaire des rayonnages de votre bibliothèque (si, si, je sais que vous en possédez tous au moins un !),

cela ne vous sera pas d'une aide significative non plus... La vision, en ce qui concerne spécifiquement le processus créatif, est un concept incroyablement abstrait. Il existe probablement des dizaines de façons différentes de la définir et peut-être des milliers de façons de l'appliquer dans ses créations. La vision est l'un des paramètres les plus importants, sinon le plus important, de tous les atouts que nous pouvons posséder en photographie. Vous pouvez posséder le meilleurs matériel du marché, vous pouvez avoir étudié la photographie dans les plus grandes et meilleures écoles, vous pouvez vivre dans l'endroit le plus pittoresque du monde, rien de tout cela ne compte vraiment si vous n'avez pas l'idée créative qui vous permettra de faire prendre la sauce de manière significative !...

Lorsque nous essayons de définir la vision, il est important d'éviter une approche étriquée. La vision ne consiste pas à adopter la technique d'un autre photographe et de la suivre aveuglément (on parle bien de vision ici !). La vision doit vous être unique et personnelle et être inextricablement liée à la façon dont vous interprétez votre environnement. Votre vision créative se reflète dans la manière (qui vous est spécifique) dont vous choisissez de communiquer à travers les images que vous créez. C'est grâce à la vision créative personnelle qu'il n'y aura jamais deux personnes qui créeront exactement la même chose face au même sujet. La vision n'est donc pas accidentelle, il ne faut surtout pas confondre la vue et la vision, il faut une attention et une application délibérées de ses processus cognitifs personnels pour pouvoir transmettre l'idée, le message ou l'humeur que l'on a en soi au moment du déclenchement. Tiens, il faudrait que j'écrive un article sur des trucs pouvant entrer dans le cadre de la créativité dans ses images... Si l'article n'apparait pas bientôt n'hésitez pas à me rappeler de vous le livrer (voir ici).

La vision est en fait l'interprétation qui joue un rôle clé dans la représentation de vos sujets. Le sujet est une forme de réalité, le reproduire à l'identique donne une photo, l'interpréter avec votre vision propre donnera votre photo, différente de la réalité... Face à votre sujet, il faut l'interpréter en appliquant votre vision, c'est un peu comme si vous appliquiez un filtre, mais pas un de ces filtre (de verre ou de gélatine) faussement qualifiés de "créatifs", c'est votre esprit et votre sensibilité qui constitueront le filtre qui déformera et exhaustera la simple réalité... Si vous choisissiez d'utiliser un diaph' de f/1,4 plutôt que de f/8, si vous utilisez volontairement une sur ou une sous-exposition, si vous incliner sciemment l'horizon, vous prenez une décision dictée par votre vision et cela modifiera profondément ce que les autres verront en regardant vos images. Cette application de votre vision est le seul paramètre qui permettra d'expliquer pourquoi une photo plaira ou non... une photo banale pourra potentiellement plaire à tout le monde, une bonne photo aura des fans et des détracteurs !...

Développer sa vision est un processus complexe, long et continu. Il dure toute la vie, mais vous qui lisez cet article, l'avez débuté depuis votre naissance, inconsciemment. Il vous faudra donc, maintenant que vous connaissez son existence, que vous découvriez votre vision dans son état actuel de maturation pour la développer plus rapidement de manière consciente et volontaire en tentant, maladroitement au début, de la mettre en jeu à chaque fois que vous créez une image, c'est ce que j'appelle implanter sa vision dans le titre de l'article. Vous découvrirez ainsi, au fil du temps que votre vision évolue puisque la qualité de vos images évolue parallèlement...

Mais comment faire évoluer volontairement sa vision ? La créativité inspire la créativité, c'est bien connu, dans un environnement adéquat on évolue plus rapidement. Il faut donc consommer énormément la créativité des autres artistes, s'inspirer des œuvres créatives des musiciens, sculpteurs, peintres, photographes, écrivains, cuisiniers pourquoi pas. Il ne s'agit pas d'imitation, mais plutôt de comprendre les caractéristiques distinctives qui imprègnent le travail de ces artistes. Il faut donc beaucoup regarder, beaucoup lire et expérimenter sans chercher à reproduire ce que vos recherches vous ont permis de découvrir et d'observer. Affiner sa vision créative est un voyage. Il y aura sûrement des frustrations le long du chemin, mais il est impératif de rester dédié au but ultime : créer des images qui soient entièrement représentatives de votre vision... Ne vous laissez pas enfermer par la technologie ou par des règles, encore moins par les définitions dictées par les autres, même faisant référence dans le milieu.

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S'améliorer c'est avancer... cela n'est un secret pour personne ! Cette introduction me fait penser à une citation de Che Guevara (dans laquelle je vais modifier le premier mot !) La photographie c'est comme la bicyclette, soit elle avance soit elle tombe. Et que faut-il pour avancer ? Ne pas se freiner en permanence ! C'est aussi bête que cela ! L'article pourrait s'arrêter là mais, bien sûr, il faut développer un peu pour montrer ce que je souhaite vous transmettre.

La photographie ne pourra jamais se contenter d'être une alchimie de diaphragmes, de vitesses d'obturation, de nombre de mégapixels ou de nombre d'images par seconde, chaque fois que vous empoignez votre appareil photo. Certes, la photographie fait la part belle à la science et à la technique mais ces dernières ne sont pas indispensables, on peut être un excellent photographe en ne connaissant rien des lois scientifiques qui régissent la photographie. La science et la technique peuvent être réservées aux concepteurs de matériel, ce qui reste au photographe est le plus important : la création de l'image. Bien sûr, vous devez bien savoir gérer l'exposition et avoir une connaissance approfondie de votre appareil photo mais posséder du matériel ultramoderne bourré de fonctionnalités plus ou moins utiles ne fera pas de vous un meilleur photographe, comme par magie... c'est comme pour votre grand mère (!) elle ne possède pas une cuisine professionnelle et pourtant elle est capable de faire de super petits plats ! Ce sera pareil pour vous, d'ailleurs, vous découvrirez rapidement (si ce n'est pas déjà le cas) que plus vous évoluez en photographie et moins vous utilisez les fonctions évoluées de votre boîtier... Au cœur de votre photographie se trouvera votre attitude, votre désir et de votre ressenti au moment du déclenchement.

Partant de ce contenu intangible (attitude/désir/ressenti), on peut esquisser les petits moyens vous permettant d'évoluer dans votre photographie :

— Ne jamais craindre de se tromper
Lorsque vous vous placez dans le cadre de votre création photographique, il faut vous fondre totalement dans votre processus personnel de création. Ne vous inquiétez pas de savoir si cette image en devenir sera nulle ou excellente ! Pour l'instant vous la souhaitez, vous y injectez votre personnalité et vos particularités personnelles, vous traduisez cela en paramètres de cadrage, de composition et d'exposition, un point c'est tout. La critique (personnelle) viendra plus tard et élaguera les échecs. La seule chose que vous pouvez éventuellement garder dans un coin de votre tête au moment de la création est le souvenir de ce qui, un jour, vous a donné l'envie de faire de la photographie... Tiens, à ce sujet, il faudrait que je consacre un article sur ce qui peut nous faire aimer la photographie... à découvrir dans mes pages.

— Ne jamais vous comparer aux autres
Vous avez suivi, étudié et admiré le travail d'autres photographes (ou du moins vous avez tout intérêt à le faire, je vous l'ai déjà dit) c'est un excellent moyen d'apprendre la photographie à la recherche de son propre style, de sa patte comme on dit, vous aspirez certainement à être aussi « bons » qu'eux. Mais une fois votre propre style trouvé, il est très important de s'écarter de cet exercice ! Vous pouvez toujours admirer le travail d'autrui mais ne vous créez pas l'obsession de savoir à quel point un photographe est meilleur que vous, cela vous condamnera à l'échec puisqu'il s'agira d'une stagnation créative. C'est un piège. D'une part la notion de meilleur est à définir et, d'autre part, il y a toujours meilleur... le meilleur des meilleurs trouvera toujours, un jour, quelqu'un de meilleur que lui. En plus, même le meilleur (s'il existait !) ne sera jamais au top de sa créativité, aucun travail n'est linéaire dès lors qu'il s'agit de création !... Une fois que vous avez déterminé votre style personnel, développez-le, affinez-le, possédez-le et le reste est automatique...

— Ne jamais perdre votre capacité d'émerveillement
Les enfants s'émerveillent de tout et sont subjugués par le plus simple des objets. C'est une qualité que tout photographe devrait posséder et utiliser. Les adultes ont tendance à être blasés de tout. Il n'est pas indispensable de quitter les brumes de sa région pour partir sous les tropiques à la recherche de bonnes photos, il y a des choses intéressantes tout autour de vous - dans votre ville, dans votre cour, peut-être même là où vous êtes assis pendant que vous lisez cet article. Tiens, je vais essayer de vous prouver cela en cherchant des sujets dans mon environnement intérieur et en faire un article... à découvrir dans mes pages... Laissez-vous surprendre par les petites choses que vous avez intégrées et oubliées.

— Ne jamais devenir complaisant
Ne considérez jamais que vous maîtrisiez tout de la photographie, c'est tout simplement impossible... même si vous déterminez uniquement un nombre fini de compétences à maîtriser, vous n'y arriverez pas non plus... il existe d'innombrables façons d'aborder la maîtrise !... La maîtrise des compétences, si encore elle existe (!) est cyclique !... Chaque fois que vous apprenez quelque chose de nouveau, vous découvrez que ce que vous preniez pour acquis jusque là n'était qu'approximatif puisque les nouvelles connaissances soulignent toujours l'imperfection des connaissances antérieures... c'est comme dans votre métier... si vous êtes comme moi (je vous le souhaite !), après plus de trente ans d'exercice professionnel, je découvre toujours des points que je considérais comme acquis qui demandent des approfondissements et l'arrivée de la retraite ne me permettra certainement pas de conclure que j'ai eu le temps de faire le tour de mon métier... la seule conclusion possible étant de dire que sa pratique est terminée !... En photographie, même non professionnelle, c'est exactement la même chose !... Chaque connaissance pousse à apprendre une compétence spécifique ou complémentaire (du moins, elle devrait !). Chaque compétence doit devenir une seconde nature, la pratiquer sans même y penser... et ce n'est pas rien ! Quand vous pensez avoir atteint la maitrise c'est qu'il est temps de tout reprendre parce que, à partir de là, vous commencez à savoir quels domaines vous devez aborder et comment...

— Ne jamais vivre autre chose que l'instant
Lao Tseu disait que l'on ne vit vraiment que si l'on vit ce que l'on est en train de vivre. Si vous ne savez pas que vous mangez pendant que vous mangez, vous ne mangez pas réellement. Si vous faites de la photographie sans vous dissoudre totalement dans le processus de création photographique, vous ne faites pas de photographie... Et faire de la photographie n'est pas suivre un listing précisant la marche à suivre... faire de la photographie c'est vivre son sujet pleinement, déclencher au moment où vous sentez que c'est maintenant qu'il faut le faire et ne pas se poser des questions techniques !...

— Ne jamais confondre photographie et matériel
Il existe beaucoup de moyens de se perdre en photographie et, le plus efficace est de courir après le matériel !... Si, surtout depuis les débuts du numérique, vous courez après les technologies qui évoluent si vite et sans jamais se poser, vous passerez tout votre temps à acheter et revendre votre équipement... vous ne ferez plus de photo du tout ! N'oubliez jamais qu'acheter du matériel n'est pas très simple mais très rapide alors que savoir utiliser et ressentir un nouveau matériel est compliqué et très long ! Pensez plutôt le matériel photographique à la manière des photographes des années 1950 (et plus anciens !) ces boîtiers ne possédaient aucun raffinement technologique et duraient toute la vie du photographe... ces derniers ne permettaient-ils pas des photos merveilleuses ?

En conclusion, apprendre à compter uniquement sur votre créativité, votre ouverture d'esprit et votre curiosité vous apportera un niveau d'épanouissement personnel et artistique gratifiant qui vous guidera vers une plus grande maîtrise de votre photographie... C'est tout ce dont vous avez besoin pour vous dépasser...

bien sûr, en réalité il parlait de la révolution et pas de la photographie ! Mais ça colle aussi...

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Nous nous sommes tous trouvés un jour face à certaines de nos -pourtant très belles- images avec un sentiment vague de frustration ou au moins la sensation que quelque chose ne fonctionne pas... Je dis bien un sentiment vague parce que l'on sent bien que quelque chose ne va pas mais on est incapable de placer le doigt sur le problème... Le problème est généralement à chercher du côté du déséquilibre visuel !...

OK pour le déséquilibre visuel mais qu'est-ce que cela peut bien vouloir dire et comment faire pour créer ce fameux équilibre ? C'est exactement ce que je vais essayer de décrire dans cet article, même si ce n'est pas si évident que cela, ni à expliquer ni à créer !...

D'emblée, en parlant d'équilibre, on pense qu'il s'agit d'une répartition harmonieuse des masses (des éléments) dans l'image... mais c'est tellement plus dans la vraie vie !... Il peut s'agir de composition, certes, mais aussi de tonalités, de positions, de couleurs, de perspectives, de concepts même et probablement encore plus que tout cela !...

Une image visuellement équilibrée est une image dans laquelle l'œil s'arrête sur le sujet principal mais qu'il prend conscience que ce sujet principal n'est pas seul sur l'image !... Les éléments secondaires, même s'ils n'ont aucun intérêt propre ni aucun intérêt pour l'histoire racontée dans la photographie, sont (doivent être) des faire valoir du sujet principal, attirer l'œil (un peu) mais sans le distraire du sujet principal !... Ouf... je vous l'avais dit, c'est plutôt subtil... L'équilibre visuel est en fait un complément d'une bonne composition, un peu comme une cerise sur un gâteau... le gâteau sera aussi beau et aussi bon sans la cerise, mais il sera 1000 fois plus attirant et succulent s'il porte une cerise !... Vous aurez beau composer votre image au quart de poil avec des lignes de force, avec des perspectives, des règles des tiers ou tout ce que vous voudrez... s'il manque l'équilibre visuel, il manquera quelque chose, on ne saura jamais quoi mais on sentira un manque et l'image deviendra vite moins bonne voire moins agréable !...

Symétrie et asymétrie sont probablement les deux piliers de l'équilibre visuel. Bien que décriée dans tous les manuels pour débutants, la symétrie est un outil très puissant pour la composition.

L'équilibre visuel est garanti dans ce cas de figure tant qu'il n'existe aucune différence de masse entre les deux côtés de la symétrie, l'exemple le plus classique est celui du paysage qui se reflète dans l'eau. Ici on présente autant de ciel que d'eau, la symétrie est quasiment parfaite (les quelques éléments de rambarde du premier plan, inévitables à cause du très grand angle utilisé, ne sont pas -trop- péjoratifs). Si on observe bien cette image, on remarquera que le sujet principal (le temple situé sur l'ile) n'est pas centré, lui, répondant donc à la règle des tiers. La composition ne pose pas le moindre problème : si on évalue le poids de matériel situé à gauche et à droite de l'image on trouve également un équilibre. Si on évalue ce qui se trouve au dessus de l'horizon (notre paysage) et ce qui se trouve au dessous, on constate que le ciel est totalement reproduit dans l'eau... le ciel nuageux est un allié ici. Cette image est visuellement très équilibrée, d'autant plus que le format carré porte déjà en lui un équilibre que le format rectangulaire ne permet pas... Cette même image, composée selon les mêmes canons mais dans une image rectangulaire n'aurait jamais permis cet équilibre visuel, notre horizon (paysage) centré au milieu aurait été désagréable.

Encore moins apprécié en Europe (mais ce n'est pas le cas partout !), est l'exemple de la symétrie verticale (quasi) parfaite :

L'équilibre visuel est obtenu mais ne sera pas forcément acceptable pour un œil Européen...

L'asymétrie, quant à elle, consiste à utiliser un élément secondaire pour équilibrer le sujet principal. Par exemple, dans l'image suivante :

Le sujet principal est la croix de Lorraine... on aurait pu la placer au milieu de l'image (c'est licite en format carré) ou sur un point fort latéral (en format rectangulaire) mais la déporter vers la droite et équilibrer visuellement la composition par la végétation à gauche permet de renforcer l'image sans pour autant distraire l'œil du sujet principal (et en plus cela permet de replacer le monument dans son contexte, une pierre deux coups !).

L'équilibre visuel par la couleur est une autre voie importante à laquelle on ne pense pas forcément. Bien sûr, cette technique ne pourra pas être mise en œuvre sur tous vos clichés mais conservez ce paramètre dans un coin de votre mémoire vive de photographe ! Voici un exemple :

L'idée est d'utiliser les couleurs primaires pour créer un contraste entre elles comme ici où le vert prédomine et le rouge qui explose. Ces deux couleurs primaires créent un équilibre visuel. Les fleurs blanches (couleur neutre) ainsi que les tons clairs de rouge (fleurs roses) n'ont d'autre rôle ici que de faire encore plus ressortir le rouge. Cela souligne le sujet principal et bien que clairs et prédominants, les éléments blancs et roses ne distraient pas l'œil mais l'attire vers le sujet principal volontairement marginalisé sur l'image finale. Cela est très subtil mais imaginez que toutes les fleurs claires aient été "colorisées" en vert, le rouge aurait encore été plus visible mais aurait perdu de son aura...
Je vous ai présenté un exemple utilisant des couleurs primaires, mais cela fonctionne tout aussi bien avec des couleurs secondaires ou des couleurs similaires ayant des tons différents...

Équilibre visuel par contraste de concept. Cette notion est encore plus subtile que la précédente ! Elle consiste à mélanger deux choses inconciliables en théorie... Comme sur la photo d'exemple ici, les éléments

inconciliables sont ceux qui créent cet anachronisme : un vieux gréement au milieu d'une ville moderne avec immeubles années 1970 et grues. Cette image aurait probablement été plus "jolie" s'il avait été décidé de flouter tous les éléments modernes mais il y aurait eu, dans ce cas, perte de l'équilibre visuel !...
En réfléchissant un peu, vous trouverez des tas de concepts permettant d'utiliser cette technique, je ne sais pas moi, un élément fabriqué par l'homme entremêlé avec un élément naturel par exemple. Dès que vous aurez intégré ce contraste conceptuel, vous en trouverez partout !...

L'équilibre visuel par les ombres et les hautes luminosités est également un excellent moyen et, en plus,

beaucoup plus accessible que le contraste conceptuel exposé précédemment. On peut décider de réduire l'importance d'un élément en le plaçant en zone très claire ou, au contraire, en zone très ombragée...

Dernière technique de cet article, l'équilibre des masses.

Imaginez cette photo sans le panneau de circulation. Elle serait très acceptable, elle présente une profondeur (accentuée par la route droite) mais le bâtiment à droite poserait un problème de signification qui détourne l'œil du chemin de lecture (la route). Le seul fait d'avoir inclus un élément totalement inintéressant mais très visible devant cette bâtisse diminue sa "charge". Vous repérez le panneau de circulation mais puisqu'il ne présente aucun intérêt vous allez l'effacer de votre mémoire visuelle et, par la même occasion, vous allez limiter l'importance de ce qui se trouve derrière !... Ce n'est qu'un exemple mais avouez qu'il aurait été très facile de créer exactement la même image sans le sens interdit, simplement en avançant de quelques mètres... mais ce n'est pas par accident qu'il a été conservé !...

Pour vérifier que vous avez bien suivi ce qui a été dit plus tôt, avouez que cette tache rouge sur fond vert participe aussi à l'équilibre visuel par la couleur cette fois.

Essayez d'appliquer ces recettes (et d'autres types de contrastes) et vous améliorerez vos images.

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Que peut bien vouloir dire ce titre ? En fait deux choses diamétralement opposées en même temps ! Voilà encore un article qui promet de ne pas être simple à comprendre !...

Un dicton populaire dit qu'il n'y a pas de critique plus féroce que soi-même. Et bien, si on s'astreint à critiquer plusieurs fois chacune de ses propres images, la critique la plus terrible que nous aurons attribuée à notre image sera celle qui correspondra le mieux à la vraie valeur de cette image. Mais, en même temps, tout le monde sait bien que l'autocritique est un exercice difficile puisqu'on est également le meilleur avocat de nos propres productions !... Voilà ce que je voulais dire en écrivant « un article qui promet de ne pas être simple à comprendre » !...

La seule façon correcte de créer est de créer de la façon dont on envisage de le faire. Chaque fois qu'une photographie ne représente pas exactement ce que l'on ressentait dans son cerveau et dans son cœur au moment où on a enfoncé le bouton déclencheur, on la brisera lors de la critique... et la photo méritera réellement d'être cassée (négatif à détruire ou fichier numérique à effacer). Qu'une création soit bonne ou mauvaise n'a, en soi, aucune importance, c'est à l'artiste qui a créé qu'incombe le devoir de critiquer sa création et c'est uniquement cette critique qui déterminera, à postériori, si la création est réussie ou non !... Là où la chose devient intéressante c'est de constater que lorsque le créateur décide que sa création est bonne, qu'une majorité de ceux qui reçoivent cette création (les spectateurs dans le cas de photographie) sont d'accord avec la décision du créateur !... Comment expliquer cela ? D'une manière générale, l'art (et par extension la photographie aussi) est intimement lié à une intention. La qualité d'une œuvre est toujours ambigüe mais l'intention du créateur apporte une certaine clarté à la lecture de l'œuvre et la critique du créateur portée sur l'œuvre apporte encore plus d'évidente clarté chez le spectateur !... Inutile de chercher midi à quatorze heures... il n'existe aucune formule, aucun algorithme aucune loi mathématique ou physique qui permettra de définir qu'une image est bonne ou mauvaise, la seule chose qui compte est l'attitude du photographe envers sa création !... S'il l'accepte c'est que l'image qu'il nous présente contient toute la magie créatrice qui était recherchée, s'il ne l'accepte pas... il ne la présente pas (il l'aura détruite !)...

Et si apprendre la photographie n'était, en fait, rien d'autre qu'apprendre à découvrir ce que l'on aime ? On a beau essayer de se convaincre que l'on fait tout pour apprendre et appliquer ce que l'on a appris pour faire les choses correctement, au final, tout ce que l'on a à apprendre est de commencer à produire des choses que l'on aime, qui nous plaisent et qui nous passionnent... Une photo peut sembler nulle au premier regard... mais si elle est conservée, c'est qu'à l'analyse critique elle présente exactement les caractéristiques et le message que le créateur souhaitait transmettre... et en cela elle devient géniale !... Faire de la photographie est, en fait, créer des choses que les autres (les spectateurs) ne savent pas encore apprécier (aimer) -ou qu'ils ne savent pas encore qu'ils vont aimer- : ils ne seront pas forcément réceptifs d'emblée, mais si le créateur persiste dans sa présentation de l'œuvre, tout le monde la comprendra et tout le monde (enfin, une majorité) finira par l'aimer...

Donc, tout cela pour vous dire quoi ? Il faut que vous éloigniez de votre esprit vos penchants naturels qui vous poussent à être indulgent avec votre travail pour libérer (et cultiver) votre esprit critique et acide. C'est avec cet esprit dévastateur que vous analyserez vos photos et si une image survit aux attaques de votre critique, vous saurez trouver dans vos images ce que vous recherchiez lors de leur création, vous les aimerez et vous les ferez aimer des autres !... Avouez qu'il n'y a pas mieux pour devenir meilleur photographe !...

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Qu'est la mise au point sélective ? C'est un concept qui tend à être oublié depuis l'arrivée du numérique alors que c'est une technique très importante et très intéressante qui peut améliorer vos images.

Quel que soit votre niveau de connaissances photographiques, vous avez certainement déjà entendu parler de Ansel Adams qui est sinon le pape de la photographie, au moins un initiateur qui ne sera jamais oublié. Je ne vais pas revenir sur ses apports à la photographie, je pourrais en parler pendant des heures mais le sujet est ailleurs. Parmi tous ses travaux, il faut noter son jeu avec la grande profondeur de champ (pour ne pas dire la profondeur de champ infinie) appliquée à la photographie de paysage. Il n'était pas rare qu'il utilise des diaphragmes de f/64 et plus (il a d'ailleurs participé au "groupe f/64")... en grand format c'est très possible, pour les formats inférieur c'est impossible ! Puis est arrivé le numérique avec des petits capteurs et les smartphones à capteurs microscopiques... et plus le format est petit et plus la profondeur de champ est importante, sans même parler de valeur de diaphragme... donc, avec le matériel bas de gamme en numérique, on peut obtenir le même genre de résultat (je ne parle que de profondeur de champ, bien sûr !) qu'en grand format avec des diaphragmes super fermés. Au point que l'on oublie qu'il est non seulement possible mais très intéressant de faire exactement le contraire... travailler avec des profondeurs de champ ridicules !... Et bien, la mise au point sélective est l'utilisation raisonnée de la très faible profondeur de champ.

Vous mettez au point sur une partie spécifique d'un sujet que vous souhaitez mettre en évidence ou accentuer, et vous "ignorez" le reste en le plongeant dans le flou. La mise au point sélective est souvent utilisée pour attirer l'attention sur un sujet ou une partie d'un sujet tout en conservant le sujet dans le contexte de son environnement flou mais reconnaissable.

Pour réussir la mise au point sélective, il suffit d'utiliser une technique de base :

La mise au point sélective nécessite une faible profondeur de champ, je l'ai dit. La profondeur de champ est, en bref, la distance nette située devant un sujet et surtout derrière un sujet net. Trois facteurs principaux influent la profondeur de champ.

1. Diaphragme - Comme nous l'avons mentionné ci-dessus en ce qui concerne le travail d'Ansel Adams, les grandes valeurs de diaphragme (petites ouvertures) créent une plus grande profondeur de champ. À focale et à distance boîtier/sujet constantes, la profondeur de champ est beaucoup plus faible à f/1.0 qu'à f/22.
2. Focale - Un objectif de focale plus courte créera une profondeur de champ plus grande que des focales plus longues. Par exemple, un objectif de 28 mm donne plus de profondeur de champ qu'un objectif de 100 mm à distance boîtier/sujet et à ouverture de diaphragme constantes.
3. Distance - À ouverture de diaphragme et à focale constantes, plus vous serez éloigné de votre sujet et plus la profondeur de champ sera importante.
4. Format - À ouverture de diaphragme et à focale et à distance boîtier/sujet constantes, plus le format (film ou capteur) sera petit et plus la profondeur de champ sera grande.

Vous pourrez (re)lire les articles ici pour plus de précisions.

Dans une photographie à mise au point sélective, les parties nettes et les parties floues sont tout aussi importantes. Voici quelques conseils qui vous guideront dans la mise en œuvre réussie de la mise au point sélective.

— Utilisez une grande ouverture - Étant donné que la mise au point sélective concerne une partie spécifique d'une scène et que le reste n'est pas net, vous devez utiliser une grande ouverture de diaphragme, si possible inférieure à f/2 (mais f/2,8 permet déjà des résultats). Vérifiez votre mise au point car son réglage précis devient un peu plus difficile lorsque vous travaillez avec une faible profondeur de champ. Si votre parc d'objectif ne comporte pas de caillou présentant de telles ouvertures, vous pouvez utiliser une focale plus longue (100mm par exemple) avec un diaphragme à f/4 et vous aurez à peu près le même résultat. Sinon, rapprochez-vous du sujet et même à f/3.5 vous pourrez avoir de bons résultats.

— Caractérisez les zones utiles hors focale - Les zones floues de votre photo doivent être reconnaissables, pas simplement des taches floues dans le cadre. Si vous photographiez un animal, par exemple, il peut être judicieux d'inclure des feuilles ou des arbres environnants comme éléments hors focale. Assurez-vous simplement qu'ils sont toujours reconnaissables comme étant des feuilles ou des troncs !

— Évaluez l'angle - Cela deviendra un réflexe avec le temps, mais vous constaterez que le choix du bon angle sera incroyablement efficace pour ajouter du punch à vos images en mise au point sélective. Le but est de prendre un angle qui fait que les éléments flous environnants soient plus éloignés du sujet principal.

— Gardez à l'esprit les règles de la composition - Placez le sujet net dans un endroit qui permet à l'œil du spectateur de s'évader dans le reste de l'image.

La technique de mise au point sélective peut être utilisée dans quasiment tous les genres photographiques.

Macro Photographie - En raison des impératifs techniques associées à la macrophotographie, il est très difficile (impossible en fait !) d'obtenir beaucoup de profondeur de champ. Ainsi, la mise au point sélective est un moyen de rendre votre travail un peu plus facile et de servir l'esthétique de l'image en attirant l'attention du spectateur sur une partie très spécifique du sujet.

Portrait - À l'aide d'un objectif de longue focale et d'une grande ouverture, vous pouvez mettre l'accent sur une partie du visage (les yeux par exemple) tout en apportant une atmosphère grâce aux éléments flous.

Il y a deux exceptions notables à l'intérêt de cette technique : la photographie de paysage (et encore, des flous peuvent apporter un plus dans certaines situations !) et la photo commerciale qui ne peut se permettre de faire de l'art et doit montrer le produit pour ce qu'il est.

Et n'oubliez surtout pas que la technique de focalisation sélective donne à vos images une impression très réaliste et très agréable de 3ème dimension, ce qui brise la platitude de la feuille ou de l'écran qui porte votre photo !...

Si vous ne possédez qu'un boîtier numérique, pour peu qu'il soit équipé d'un capteur APS-C (ou plus grand !), testez cette technique toute simple... l'essayer c'est l'adopter !...

Pour mémoire :
Pour un objectif de 100mm de focale,

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En photographie (mais pas uniquement !) il existe une règle incontournable (le plus souvent car il y a tout de même des exceptions !) : ces deux notions sont antagonistes !!! Il faut donc choisir entre quantité et qualité ! Mais dire cela est insuffisant puisque cette maxime se vérifie dans deux cas de figure très différents... je vais les envisagés tous les deux dans le même article.

En photographie (mais pas uniquement !) l'enthousiasme est une bonne chose. Sans aucun doute. C'est lui qui nous fait avancer, c'est lui qui nous fait sortir du lit à 4h du matin, c'est lui qui nous aide à faire des kilomètres avec 15 kilos sur le dos, bref c'est lui qui nous permet de poursuivre notre parcours photographique. Il nous conduit en des lieux lointains juste pour obtenir une image. Mais, malheureusement, il peut parfois être une malédiction ! Êtes-vous déjà allé dans un endroit incroyable ? Vous êtes tombé sous le charme du lieu et vous vouliez tout photographier ? Vous êtes revenu avec des centaines d'images ? En vidant votre carte mémoire sur l'ordinateur vous avez été déçu des résultats ? Je suis certain que la plupart d'entre nous a vécu cela et c'est normal ! Nous avons pris trop de photos et n'avons pas investi assez de réflexion !... Comment faire pour éviter cette perte de temps, cette perte d'argent et cette déception profonde ? C'est très simple, il y a des recettes que je vais vous livrer...

— Si votre shooting est un déplacement pour photo de paysage, avant de débuter votre photographie, faites un (ou deux) panoramique(s) 360°. Cela inscrira dans votre esprit que vous avez réussi à immortaliser cette magnificence du lieu et calmera votre excitation. Vous serez dans un état psychologique bien plus serein et vous pourrez maintenant calmer le jeu et analyser votre environnement pour ne plus faire que quelques images, mais des bonnes !...

— Pré-planification ! Ce point pourrait bien être le plus important parce qu'avoir une vision bien pensée, concevoir ses images avant de partir est un excellent moyen de concentrer votre esprit sur les images que vous voulez réellement. En passant du temps à planifier avec une discipline ferme, vous arriverez sur place et tirerez selon votre plan. Plus le plan sera étudié et précis et plus vous réussirez votre shooting. Les choses à prendre en considération lors de la pré-planification ne sont pas seulement les emplacements, les angles et les directions de la lumière, mais aussi ce que la météo pourrait apporter. Prenez le temps de noter votre plan de prise de vue sur papier ou sur votre smartphone/tablette. Vous n'aurez plus qu'à le lire sur le lieu de prise de vue. Tenez vous en strictement à votre plan. Soyez réaliste, vous ne pouvez pas tout faire en un temps donné ! Éventuellement, autorisez-vous mon premier conseil.

— Fixez-vous une limite de temps. Même si on pourrait penser que se fixer une limite de temps nous pousse à accélérer et à prendre plus de photos à la chaîne et à la hâte, croyez-moi, en réalité, votre objectif sera d'obtenir les meilleurs clichés possibles dans les délais impartis. Donc, en se fixant une durée fixe par lieu, vous ralentirez et réfléchirez plus attentivement à vos prises de vue. En prenant moins d'images vous augmenterez vos chances de ramener de meilleurs clichés. Si vous photographiez à l'extérieur, vous devrez peut-être attendre... si la lumière n'est pas tout à fait correcte, analysez ce que vous avez sous les yeux en imaginant ce que cela pourra donner avec la bonne lumière, faites une petite sieste, prenez un café, lisez, écoutez de la musique (tout ce que vous voulez en fait !) jusqu'à ce qu'elle s'améliore et tant pis si cela ampute votre temps de prise de vue prévu -que vous devrez respecter quoi qu'il en soit-. Vous pouvez très bien revenir plusieurs fois au même endroit s'il y a beaucoup de choses à faire, donc il n'y aura aucun stress puisque vous aurez planifié plusieurs fenêtres de tir !
— N'emportez qu'un objectif à focale fixe. Une des raisons pour lesquelles nous avons tendance à mitrailler est le zoom. Il ne fait aucun doute qu'un bon zoom peut faciliter la vie, mais il peut aussi nous amener à prendre plus de photos que nécessaire. On se place à un endroit et on tente un cliché à différentes focales presque machinalement. L'emport d'un seul objectif -si possible de sa focale de prédilection (j'en ai parlé par ailleurs chercher ici)- nous oblige à ralentir et à adopter une approche plus réfléchie. Nous devons nous déplacer pour trouver le meilleur cadrage. En bref, nous devons penser à chaque image avant de tirer.
— Utilisez un trépied pour vous ralentir plus encore. C'est encombrant et lourd mais rien ne vous ralentit mieux que d'utiliser un trépied !... Non seulement vous améliorerez la netteté de vos images, mais vous prendrez moins d'images mais plus réfléchies.
— Utilisez une petite carte mémoire. Si vous ne souhaitez pas exagérer le nombre de prises, une option consiste à utiliser une seule petite carte mémoire. En limitant le nombre d'images que vous pouvez enregistrer, vous vous concentrez sur l'obligation d'obtenir le meilleur et de ne pas photographier tout et n'importe quoi. Vous devez être plus perspicace, peut-être supprimer des images qui ne sont pas à la hauteur afin de ne garder que celles qui le sont.
— Pourquoi ne pas faire de l'argentique ? En numérique on ne pense jamais au nombre de photos prises tant les cartes peuvent en contenir, donc on shoote jusqu'à plus soif !... Le film est le meilleur moyen d'éviter cela. Vous avez un nombre de coups possibles plus que limité. Chaque fois que vous appuyez sur le déclencheur, non seulement le nombre de photos possibles diminue drastiquement mais en plus cela vous coûte de l'argent (et accessoirement du temps au développement) ! Un rouleau de film contiendra 36 vues au plus. Chaque fois que vous arrivez à la fin du rouleau et le remplacez, vous serez conscient de ce que vous venez de faire. Ceci stimule à ne déclencher qu'à bon escient pour créer chaque image parfaitement composée et exposée...

— Dans le même ordre d'idée, si vous en avez la possibilité, essayez de travailler avec des formats plus grands en argentique. C'est bien connu que plus le format est grand et plus cela demande du temps de créer un seul cliché et que le nombre de vues possibles diminue à mesure que le format augmente. En moyen format, un rouleau ne portera que 8 à 12 vues, en grand format, une seule ! Et il est également de notoriété publique que plus le format est grand et que plus la photo sera de qualité, et cela uniquement à cause du temps nécessaire à la création et la mise en œuvre du matériel !...

Voilà, nous avons résolu le premier cas de diminution de quantité avec augmentation de qualité. Prenons le deuxième cas où il faudra chercher le minimum pour obtenir plus de qualité : la quantité d'éléments présents dans l'image.

Lorsque l'on dit que « moins c'est plus », qu'est-ce que l'on veut dire ? Une image qui représente une pièce vide ? Une assiette et une fourchette perdues dans une image blanche (vous voyez ce à quoi je fais allusion) ? En fait, il s'agit, dans l'absolu, de l'utilisation intelligente de l'espace négatif. Le relief apaisant de la photographie minimaliste, un peu comme une méditation.

L'idée du minimalisme est la suivante : il implique de grands espaces et un sujet isolé dans le cadre. Mais la simplicité qui fait la force des images ne se trouve pas exclusivement dans le minimalisme ! Il faut élargir cette notion trop restrictive pour le cadre de cet article. Si les bases restent les mêmes, on doit pouvoir négliger la notion d'espace négatif et d'objet unique.

Ici, même si on a un espace blanc qui pourrait faire espace négatif, l'objet principal est accompagné mais la composition reste simple et forte même si on sort des canons du minimalisme.

Ici l'image est toujours forte malgré l'absence totale d'espace négatif. On est totalement sorti du minimalisme stricto sensu.

Comme vous le voyez ici, quel que soit le style photographique, une composition simple et forte est possible et augmente la qualité de la photographie même dans un environnement complexe qui, finalement ne fait que servir le sujet de la photo.

J'ai volontairement présenté des exemples de plus en plus éloignés du principe du minimalisme pour vous faire prendre conscience que l'isolement du sujet n'est pas la seule technique qui permet de donner force et simplicité à la photo. Prenons cet exemple, antithèse du minimalisme :

Le sujet est simple mais la photographie contient d'innombrables objets. Ce sympathique fouillis rend-t-il l'image complexe ? Non bien sûr, ce que l'on nommait espace négatif en minimalisme est ici représenté par la complexité de cet environnement. Le sujet est donc "isolé" comme un îlot d'ordre "noyé" dans le désordre ! Certes cette photo est un cas particulier puisque l'isolement du sujet est facilité par le choix de l'être humain et le cadre carré.
Je m'explique :
— quelle que soit la photo, si on trouve un humain si petit soit-il et quel que soit sa position dans le cadre et quel que soit son environnement (aussi grandiose puisse-il être), c'est toujours lui qui occupera la place principale (le sujet) tout le reste ne sera plus perçu que comme un espace sinon négatif, du moins un simple environnement ! Il faudra que j'écrive un article au sujet de ce trait de psychologie dans la photographie.
— le format carré crée systématiquement un équilibre qui contrebalance le chao de l'atelier et participe à "lisser" l'ensemble, transformant l'environnement complexe en pseudo espace négatif.

Je n'ai pas l'habitude de délivrer des secrets (d'ailleurs ai-je des secrets à dévoiler ?) mais je me contente de vous donner des petits conseils et, de tous les conseils que je peux vous donner, celui-ci est probablement le plus important : simplifiez au maximum ! Limitez le nombre de photos aux seules qui seront potentiellement excellentes et limitez au maximum les éléments constituant vos images.

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L'Homme est ainsi fait qu'il veut que tout soit rapide, facile, sans stress et sans effort. En fait, c'est oublier trop souvent les avantages d'un défi. Pour continuer à améliorer nos compétences, nous devons nous mettre régulièrement au défi. Les défis peuvent ne pas toujours se présenter à nous, nous devons aller les chercher, les créer, les inventer.

Bien sûr, nous devons être constamment critiques de notre propre travail, j'en ai déjà parlé dans plusieurs articles (chercher ici), pour découvrir nos faiblesses. Une fois nos manques identifiés, nous savons ce que nous devons travailler pour amener notre photographie au niveau supérieur. Mais cela ne suffira jamais !... Il faut, en parallèle, s'imposer des défis qui peuvent nous aider à progresser...

Voici quelques pistes de défis, mais bien sûr, en réfléchissant un peu, vous en trouverez bien d'autres...

- le premier défi, puisque le plus simple, que j'ai déjà en partie développé par ailleurs (chercher ici), est l'utilisation d'une focale unique. Limitez-vous à n'utiliser qu'une seule focale (fixe !) pendant un certain temps, par exemple un mois (ou plus, selon l'importance de votre production)... Ce faisant, vous défierez votre créativité et vos yeux pour la composition. Étant donné que vous photographiez à une distance focale fixe, la meilleure façon de cadrer n'est pas toujours évidente. Dans de nombreux cas, vous devrez faire appel à une réflexion critique et créative pour obtenir la composition juste. La pensée créative devrait devenir une partie de notre processus quotidien en tant que photographe et ce défi est inestimable pour comprendre son système (matériel). Si vous avez la chance de posséder pluieurs objectifs à focale fixe, pratiquez un mois complet par focale fixe à votre disposition. Si vous ne possédez qu'un (ou des) zoom(s), ce n'est pas un souci : utilisez du gaffer pour "bloquer" la focale sur une valeur pendant un mois avant de changer de focale et de la "bloquer" à son tour pendant un mois et ce pour chaque focale de la gamme du/des zoom(s) à votre disposition !

- je sais, j'en entends déjà qui murmurent au fond de la salle, disant (à raison) que j'insiste lourdement sur ce sujet, mais effectivement, je trouve que cela est très important et à tous points de vue : revenir au film (ou essayer le film). Je n'arrête pas d'en parler (chercher ici) mais c'est une si bonne approche qu'il vaut la peine d'en parler à nouveau. L'un des principaux avantages du numérique est qu'il permet aux photographes de prendre des tonnes d'images sans surcoût. À l'inverse, l'un des nombreux avantages du film est qu'il encourage les photographes à économiser de l'argent en déclenchant correctement la première fois, éliminant ainsi la nécessité de prendre 40 images du même sujet « juste pour être sûr ». Prendre quelques photos de sauvegarde de la même chose est une idée qui peut paraître intéressante, cependant, cela finit par nous rendre paresseux puisque dotés d'un filet de sécurité. Faire une erreur avec un film nous frappe là où ça fait le plus mal : le portefeuille. Ne voulant pas gaspiller inutilement son argent pour l'équivalent du filet de sécurité numérique, la prise de vue en argentique nous oblige à ralentir, à penser à nos réglages d'exposition, à notre cadrage, etc.

- plus original, plus compliqué aussi, s'infliger des auto-affectations. En tant qu'amateur, nous créons à partir de sujets qui nous plaisent et nous inspirent mais pendant un certain temps, obligez-vous à faire exactement le contraire ! Faites comme si vous deviez commencer à prendre des photos pour gagner votre vie... vous serez obligé de créer des images sublimes à partir de sujets qui vous sont imposés, qui, probablement, ne vous plaisent pas, ne vous inspirent pas !... Vous avez horreur de la photographie de paysage ? Faites exclusivement du paysage pendant un mois (ou plus, selon l'importance de votre production !). Je parle de paysage mais cela est valable pour n'importe quel autre sujet !... Photographie de produits, photographie de mode, beaux-arts, sport, nature morte, etc... Dans l'idéal, il faudrait s'obliger à créer un mois (ou plus) exclusivement des images d'un sujet puis passer un mois avec le sujet suivant... Personnellement (mais ce n'est pas une loi !) je trouve que le sujet le mieux adapté à son évolution technique est la photographie de produits : utilisez n'importe quel objet domestique qui vous tombe sous la main et créez des photos de ces objets comme si vous le faisiez pour une publicité dans un magazine. Conduisez ce défi sérieusement, comme si vous étiez payé pour le réussir. Cela vous encouragera à être fier de votre travail -même supposé inintéressant au départ (il deviendra rapidement intéressant, croyez-moi !)- et à faire en sorte que vous fassiez toujours ce que vous êtes capable de faire de mieux.

- encore plus difficile mais combien formateur : prêtez attention aux détails. J'en ai déjà parlé à plusieurs reprises (chercher ici), s'l est facile de regarder le vaste monde lorsque nous cherchons des choses à photographier, si les premières impressions sont importantes, ne les utilisez pas ! Passez une journée sur le terrain à ne photographier que des textures, des angles, des lignes et peut-être même des jeux d'ombres en faisant abstraction de tout ce qui peut être intéressant, beau, voire grandiose dans ce qui vous entoure ! Ce faisant, vous vous obligerez à regarder au-delà de l'évidence en vous rapprochant de la composition, qui, le plus souvent, passe inaperçue. Cela vous apprendra à être plus complet dans l'évaluation d'une scène et avant que vous en soyez conscient, vous trouverez l'inspiration photographique dans tout ce qui vous entoure, même dans les endroits les plus pauvres ou les plus sordides...

Voilà, je me limiterai à quatre pistes, mettez ces idées en application, jouez le jeu sérieusement et, j'en suis convaincu, cela vous apportera tant que vous ne mettrez pas longtemps avant de vous inventer d'autres défis... et cela vous sera d'autant plus bénéfique !... Reconnaissez ce qui est difficile pour vous et continuez à le pratiquer encore et encore jusqu'à ce qu'il devienne une seconde nature pour vous. Ne laissez pas vos faiblesses vous frustrer, mettez-les plutôt au travail... utilisez-les comme une excuse pour prendre votre appareil photo et apprenez à les combler, en plus d'une avancée dans votre parcours photographique, cela vous apportera un plaisir que vous n'imaginez même pas !...

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Attention, ne me faites pas dire qu'en partant de zéro vous allez pouvoir faire des photographies comme un pro en un seul week-end... si j'avais une telle recette, je ne la publierais pas sur un site gratuit, je ferais des stages payants et je prendrais une retraite dorées au bout d'un mois !... Non, cette recette n'existe pas, par contre, le tuyau que je vais vous livrer aujourd'hui, suivi sérieusement, fera décoller votre photographie après deux petits jours de tâtonnements !...

Bon, je ne vais pas faire durer le suspens indéfiniment : quels sont les 2 piliers techniques d'une bonne photographie ? Oui, vous le savez déjà : l'exposition et la composition. C'est donc la composition qui occupera votre prochain week-end !...

Pour cet exercice, je vous propose de rassembler un maximum de photographies, numériques et/ou argentiques. Fouillez dans vos boites à chaussure et dans vos disques durs. Ne sélectionnez pas forcément les meilleures images... en fin de week-end vous allez pouvoir sauver des images moyennes et sublimer les meilleures !...

Pour vos photos argentiques, si elles ont été tirées sur papier, fabriquez-vous 4 bandes de carton ou utilisez 4 feuilles de carton. Si vous ne possédez que des négatifs, scannez-les, même à l'arrache (ce n'est pas la qualité du fichier qui est important ici !) et vous leur ferez subir le même sort que vos images numériques.

La composition est en grande partie une question de cadrage. Certes, d'autres paramètres entrent dans une bonne composition, mais ces derniers ne sont pas accessibles une fois l'image enregistrée... donc on se concentrera uniquement sur le cadrage et cela suffira à vous former à mieux appréhender la composition...

Pour l'exemple, je vais utiliser une photo volontairement nulle (mal cadrée) :

Ah, je vous l'avais bien dit, voilà une image qui montre tout, qui ne montre rien, bref une image ratée parmi les ratées (je rappelle qu'elle a été créée pour être nulle !), et nous allons voir si nous pouvons en tirer quelque chose...

Qui dit recadrer, dit diminuer la surface de l'image originale en découpant des éléments indésirables. Dans cette page, mes images sont réduites pour tenir sur l'écran mais je vais travailler sur le fichier original beaucoup plus grand !...

Le recadrage pose un énorme problème aux photographes débutants... pour eux, il faut absolument conserver les proportions... c'est exactement pour cela qu'ont été créées des fonctions qui respectent les proportions originales, même dans Photoshop. Mais respecter les proportions n'est pas une obligation, pas plus une règle de bonne conduite !!! Si cela peut servir votre image, vous pouvez vous éloigner énormément du format original !... Créer une image ronde, triangulaire ou polygonale est tout à fait possible et... licite ! Dès lors qu'une photographie est une forme de création artistique, elle saura se satisfaire de toutes les voies de traverse !...

Je ne vais pas m'amuser à créer des formes trop exotiques ici, mais je vais pousser le recadrage assez loin pour vous montrer ce que l'on peut faire avec ma photo d'exemple...

Avant tout, on va conserver les proportions originales de 3/2, mais effectuer un recadrage drastique pour voir ce que cela pourrait donner :

Puis on va essayer les autres formats "classiques" :
Le 4/3 :

Le 4/5 :

Le 5/7 :

Le 8/11 :

Le 16/9 :

Et bien sûr, on peut reproduire tous ces formats mais en vertical, comme ici le 16/9 :

Pour économiser de la place sur le serveur je ne vais pas faire tous les formats en vertical, vous voyez le principe !...

Et pour finir avec les formats "classiques", le plus classe de tous, le roi des formats : le 1/1 :

Passons maintenant à quelques exemples de formats "libres" :

ou

qui sont tout à fait intéressants, mais on peut encore aller plus loin, pourquoi pas carrément changer de sujet :

ou

Il s'agit bien, vous l'avez compris, d'une seule et même image ! Vous voyez à quel point vous pouvez la transformer simplement en changeant son format !!! Vous pouvez même créer deux sujets totalement différents avec une seule image : un "portrait en pieds" et une photo d'archéologie !... simplement en recadrant !!!

Chaque recadrage peut donner une image totalement nouvelle. Selon vos goûts personnels, vous trouverez certainement une de ces images d'exemple bien meilleure que l'image d'origine ! À vous de tâtonner et de trouver ce qui convient le mieux à l'image que vous cherchez à modifier.

Bien sûr, vous ne serez pas libre à 100% pour recomposer vos anciennes images puisque vous êtes prisonnier de la matière présente mais, croyez-moi sur parole, passez un week-end complet à travailler vos anciennes images ainsi et dès lundi, c'est directement dans le viseur que vous trouverez instinctivement la meilleure composition de vos futures images !...

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Je vous ai déjà conseillé à plusieurs reprises dans les pages de mon site de chercher à apprendre la photographie en étudiants tous les arts (et pas uniquement des photographies). J'ai décidé de vous parler aujourd'hui de l'étude des tableaux des grands peintres flamands et hollandais. Pourquoi eux ? Parce que j'aime beaucoup ? Certes, mais également (voire surtout) parce que ces maîtres nous offrent des clés de compréhension d'une valeur inestimable pour améliorer notre photographie !...

L'âge d'or de la peinture nordique a produit certaines des œuvres les plus incroyables que le monde ait jamais vues. Ces maîtres de la lumière sont toujours encensés pour leur connaissance et leur maîtrise de la composition et de la couleur. Mais que ces anciens peuvent-ils nous apprendre sur l'art moderne qu'est la photographie ? Beaucoup en fait... Tellement que des livres entiers pourraient être écrits. N'ayant pas suffisamment de connaissances en peinture (ni en art en général) et n'étant pas en capacité d'écrire le moindre livre à ce sujet, je vais seulement couvrir brièvement et superficiellement la science de la composition que les maîtres hollandais et flamands ont brillamment posée sur la toile.

Jetez un coup d'œil à ces peintures (je ne vais pas utiliser tout mon espace pour vous les montrer, votre moteur de recherche fera parfaitement le travail !) et à la façon dont chacune d'elles présente un centre d'intérêt très spécifique et évident.

Vous remarquerez que dans chaque cas, votre œil sera attiré vers une zone spécifique de la toile. Là, un personnage, là, un groupe de personnes, là un paysage sauvage ou urbain. C'est ce que l'on appelle un centre d'intérêt et c'est quelque chose qui peut être utilisé avec profit en photographie comme en peinture... Mais comment ?

Des explications très simples sur la façon d'obtenir l'effet centre d'intérêt dans une photographie (de la même manière que les maîtres hollandais et flamands l'ont démontré dans leurs peintures) existent. Recherchons dans leurs œuvres certaines des façons les plus évidentes de produire un centre d'intérêt pour les reproduire dans nos photographies.

Le fort contraste : une zone de contraste élevé (une forte lumière dans une zone sombre ou une ombre marquée dans une zone fortement éclairée) servira à attirer l'œil. Cette technique permettra à coup sûr de placer intentionnellement un centre d'intérêt dans ses images (sans pour cela devoir créer une photo "à la manière de..." qui représenterait un sujet similaire !). Cette technique peut être repérée dans les peintures reproduites ci-dessus, mais également dans toutes celles que je n'ai pas présentées...

La forte couleur : L'œil humain a été créé pour la couleur (ce n'est pas le cas pour la majorité des animaux !), de ce fait, si vous avez un élément riche en couleur dans une zone spécifique de l'image alors le spectateur sera immanquablement "forcé" à le regarder. Si vous photographiez une scène présentant une zone de couleur claire, pensez à en faire votre centre d'intérêt. Encore plus fort : essayez de composer votre image de sorte que l'élément fortement coloré soit situé sur un "point fort" du format (rappelez-vous la règle des tiers -voir dans d'autres articles dont "un petit cours de photographie" ici).

Le sujet intéressant : Vous pouvez attirer l'attention sur un centre d'intérêt en y plaçant un sujet intéressant. Dans la plupart des cas, il s'agit d'une personne ou d'un objet, mais il peut aussi s'agir d'un élément naturel -mais évident, qui sort de son environnement-. Dans toutes les peintures hollandaises et flamandes, le centre d'intérêt visuel présente aussi la chose la plus intéressante de la scène représentée.

La composition : Le centre d'intérêt est très rarement au centre de l'image (sauf si format carré) et jamais chez les maîtres hollandais et flamands. Souvenez-vous des règles générales de composition.

La clarté du centre d'intérêt : En début d'article, je disais que le centre d'intérêt était clair (évident), si vous souhaitez le conserver, il faut qu'il reste évident dans votre photo, pas d'élément perturbateur, pas de point attirant l'œil ailleurs dans l'image. Souvenez vous, je n'arrête pas de le répéter, la simplicité fait, en grande partie, la force de l'image, vous savez maintenant pourquoi !...

Voilà tout ce que je dirai aujourd'hui des apports de la peinture à la photographie. Cherchez des tableaux de ces maîtres hollandais et flamands, étudiez-les sérieusement et vous verrez qu'ils vous ouvriront des portes pour améliorer vos images !...

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Quand on regarde les créations de la majorité des amateurs on aperçoit un phénomène un peu particulier : si belles soient-elles, tout ce que l'on peut en dire c'est qu'elles mesurent tant de centimètres sur tant de centimètres... elles sont aussi plates qu'un dessin au crayon sur une feuille de papier !... Certes, une photographie n'est qu'une représentation en 2D mais, il serait peut-être bon de les créer à la manière d'un architecte qui croque un bâtiment en perspective !... Attention, je ne dis pas que les photos ne doivent jamais être "plates" (en 2D) puisque certains sujets présenteront plus d'intérêt ainsi !... Mais je vais vous entretenir aujourd'hui de quelques moyens simples qui reproduiront une sensation de volume dans vos photos planes.

Le truc le plus simple et le plus évident est la représentation d'une ligne (ici, deux) qui attrape l'œil pour l'emmener vers le fond de la scène. Inconsciemment, le spectateur aura l'impression de pénétrer dans un monde en volume, donc même "plate", la photo paraîtra en 3D. Bien sûr, sur ma photo d'exemple, il y a d'autres paramètres qui interviennent : les différents plans d'arbres, mais surtout les deux points "hyper" lumineux, l'un à l'avant plan, l'autre tout au fond... Mais, dans un premier temps, retenez déjà la notion du chemin qui chemine vers le plus loin...

Placer un sujet dans un cadre, même incomplet (comme ici, ce n'est qu'un demi cadre) donne de la "profondeur" à l'image. Certes, dans cet exemple aussi, comme dans le précédent, un autre élément renforce cette impression de volume, les roseaux situés bien au devant des canards... mais pour l'instant, contentez vous de retenir le cadre !

Cet exemple est intéressant dans le sens qu'il présente de l'intérêt dans la profondeur de l'image (c'est le sujet de cet article !) mais également dans le sens de la cinématique (autre vaste sujet qu'il faudra que je traite ailleurs). Bref, pour rester dans la notion d'impression de 3D, la recette ici est également très simple : choisir une profondeur de champ très courte et noyer le sujet dans un double flou en avant et en arrière plan ! Ce "prédateur" n'est-il pas vivant et ne vient-il pas à vous depuis le fin fond du champ ?

Voilà maintenant la technique dite du "masquage" ou de "l'amputation". La 3ème dimension est suggérée par le fait de cacher une partie plus ou moins importante du sujet de l'image. Dans cet exemple il existe également des éléments pour renforcer l'effet : une profondeur de champ importante et des éléments proches et d'autres plus lointains. Mais je dois reconnaitre que de toutes les techniques que je vous présenterai ici, c'est la moins efficace... et je dirai même qu'elle crée un trouble car si on regarde longtemps ce type d'image, on la voit alternativement en 2D puis en 3D puis en 2D, etc... bref pour moi c'est peu intéressant car gênant.

Dans cet exemple, en regardant, on ne voit pas pourquoi l'image semble être en 3D, il n'y a, apparemment, aucun système autre que la reproduction à l'identique de la réalité ! En fait le chemin ne chemine pas comme dans mon premier exemple, la barrière en premier plan n'apporte que peu de chose puisque très marginale. En fait c'est, après la plus mauvaise technique (la précédente), la meilleure technique : l'utilisation d'un objectif grand angulaire qui, comme tout le monde le sait, accentue la séparation des plans donc la profondeur !... Bien sûr, dans cet exemple, le contraste diagonal de luminosité participe à l'impression de 3D...

Voilà typiquement une image à l'aspect 3D qui semble n'utiliser aucun des moyens de donner de la "profondeur" : profondeur de champ maximale, aucun premier plan (c'est le sujet qui forme le premier plan), aucun flou, ni devant ni derrière... Comment cela est-il possible ? Le secret est dans la diagonale ! Si j'avais placé l'objectif deux mètres plus à gauche, j'aurais photographié la structure suivant son grand axe et l'image aurait semblé "plate"... la visée à 30°~45° par rapport au grand axe du sujet suffit à donner du "volume" !...

Cette image n'est-elle pas en 3D (enfin, ne la percevons-nous pas en 3D) ? Si, bien sûr, mais pourquoi ? Il n'y a pas non plus de premier plan, l'arrière plan n'est pas franchement flou, la lumière est uniforme, rien ne conduit notre œil et pourtant ! Et bien oui, l'arrière plan est géométrique, il casse donc les courbes "naturelles" du sujet et c'est ce contraste qui est responsable de la "profondeur" de l'image.

Cette photographie a été créée à l'aide d'un long téléobjectif, on voit bien que tous les plans sont reportés sur un seul (c'est la caractéristique des longues focales !), mais il n'empêche qu'il existe une impression de "profondeur" qui est, ici, créée par la "brume" du lointain (en réalité plus du à la pollution atmosphérique qu'à un phénomène météorologique !).

Et, pour terminer cet article, je vais utiliser la méthode la plus connue (et éprouvée) qui consiste à flouter l'arrière plan en utilisant une "grande" ouverture du diaphragme et en jouant avec les distances objectif/sujet/ arrière plan et la focale utilisée...

Il existe bien d'autres techniques, mais je vais m'arrêter là pour aujourd'hui en vous livrant les principales. Je n'exclue pas de mettre cet article à jour, plus tard, mais les autres moyens sont beaucoup plus marginaux et n'intéresseront pas tout le monde.

Ne vous focalisez pas systématiquement sur la "profondeur" de vos images, "plates" elles peuvent également être bonnes (pour certaines du moins) mais connaissez ces petites techniques au moment de construire vos images de manière plus "créative".

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Comme tout photographe amateur qui essaye de bien faire, vous lisez beaucoup, vous essayez (beaucoup) de mettre en application vos nouvelles connaissances, mais vous remarquez rapidement que vous tournez en rond, il manque toujours un petit quelque chose à vos images !... Vous sentez bien que vous progressez, mais vous restez un peu frustré car le sel manque encore à votre production !... La photographie c'est comme la cuisine : il faut suivre les recettes (la technique), il faut adapter les recettes et il faut assaisonner, pas de sel, ce n'est pas extraordinaire, trop de sel et c'est totalement loupé !... Mais que peut bien être le sel qui manque à votre recette photographique ? L'ambiance, avez-vous pensé à l'ambiance ?

Quand on parle de photographie, ambiance peut être un terme très délicat à cerner. Le photographe se réfère à des éléments visuels qui captent l'humeur, le caractère ou le sentiment d'un lieu ou d'une chose. C'est quelque chose qui peut être assez difficile à faire sur une photo, mais si vous y parvenez, les résultats peuvent être excellents. Voici quelques éléments qui peuvent vous aider à définir et à capturer l'ambiance d'une scène.

- Le moment représentatif de la scène photographiée
Une façon de capturer l'ambiance est de repérer LE moment où vous allez déclencher pour capturer LE moment qui encapsule le mieux l'ensemble de la scène. Quelques exemples : le moment où l'oiseau est sur le point de s'envoler. Le moment où un cycliste lève les bras en signe de victoire. Le regard de concentration de l'enfant enfant qui s'applique à dessiner.

Il est impossible de définir le moment pour chaque situation, mais vous savez généralement quand cela arrive. Avec un peu de timing, vous pourrez capter les moments parfaits pour une photographie. Cependant, cela vous oblige généralement à vous "poser" et à réfléchir à ce qui pourrait se passer dans les secondes à venir pour vous laisser le temps de vous préparer pour LE moment.

- Le contexte
Souvent, le contexte d'un sujet peut être essentiel pour déterminer la place et le début de l'action, très utiles pour établir le contexte. Un joueur de football avec un fond de fans hurlant dans une tribune. Un bateau devant une tempête en préparation. Ce sont des exemples où l'arrière-plan peut être aussi important que le sujet lui-même pour souligner le sentiment ou l'émotion dans l'image. Le truc que certains photographes utilisent est de trouver l'arrière-plan d'abord, mettre en place la photo et attendre jusqu'à ce que le sujet intéressant entre dans le cadre de l'arrière plan.

- N'oubliez pas l'élément humain
Lorsque vous photographiez dans des zones peuplées, les gens peuvent souvent être la clé de l'ambiance dans une photo. L'un des types de photographie qui respire souvent l'ambiance est le portrait environnemental. Prendre des photos de personnes dans leur environnement naturel rassemble souvent beaucoup d'éléments visuellement émotifs pour ajouter cet élément à votre photographie.

- Profiter des éléments environnants
Les éléments d'une scène peuvent souvent ajouter autant à la nature émotive d'une image que le sujet lui-même. Assurez-vous de profiter des éléments qui pourraient vous aider dans ce sens. Cela se rencontrera souvent si vous photographiez des portraits environnementaux de personnes qui sont à leur travail (ou passe-temps). Souvent, ils seront déjà entourés de choses qui ajouteront des éléments émotifs à l'image.

Mais, plus difficile à réussir (coup de chance en plus que l'étude du sujet), donner du sens à des éléments qui n'en ont pas forcément, mais qui réunis donnent une puissance émotionnelle à la photo.

Une personne misérable qui passe dans un quartier misérable, devant un commerce misérable donne en effet une ambiance forte à l'image, même s'il n'existe pas de relation réelle entre ces 3 éléments (l'homme, le quartier et le commerce)...

- Pensez à l'éclairage
Bien qu'il soit difficile de généraliser ici, l'éclairage peut avoir un grand effet sur l'émotion visuelle d'une scène. Un éclairage rude peut fonctionner, mais il est plus facile de créer une sensation de lenteur et de spleen avec une lumière plus douce. En fait, le terme «éclairage ambiant» fait généralement référence à la lumière douce et diffuse qui éclaire une scène sans projeter d'ombres violentes. Cherchez des moyens de rendre la lumière un peu plus douce ou de déclencher à des moments de la journée où vous êtes plus susceptible de profiter d'une lumière pas trop dure. Bien sûr, ce n'est pas toujours possible, mais c'est l'une des choses à garder à l'esprit.

la lumière, à elle seule, peut créer l'ambiance...

- Choisissez votre sujet
Il existe des lieux qui inclinent automatiquement à des sentiments de paix et de plénitude. Que vous soyez croyant ou non, vous devez admettre que les lieux de cultes sont tout particulièrement propices à montrer de l'ambiance, sans rien avoir à rajouter.

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Après plusieurs mails précisant l'intérêt pour cette page mais soulignant un contenu un peu trop philosophique et insuffisamment technique, j'ai décidé d'inclure un article 100% technique. Le voici.

Si vous êtes encore novice en photographie (ou pas !), vous vous demandez peut-être quel type de compétences techniques et artistiques vous devez développer en premier. Même si la route vers une excellente photographie est longue et sinueuse, il y a quelques compétences qui peuvent vous aider à comprendre ce qui se cache derrière la magie des nombreuses photographies magnifiques. Une fois que vous aurez bien compris ces compétences, vous pourrez commencer à les appliquer à vos propres photographies et continuer à apprendre ce qui ne sera plus que des trucs et astuces supplémentaires.

Afin de commencer à créer de superbes photos, vous devriez prendre le temps d'apprendre et de comprendre les règles d'exposition, de profondeur de champ et de composition. Bien sûr, je ne traiterai pas de ces compétences dans cette page puisque je les ai déjà traitées dans d'autres pages (vous pouvez chercher ici).

ACQUÉRIR LE SENS DE L'EXPOSITION

Qu'est-ce que l'exposition ? La manière la plus simple de l'expliquer est de dire que l'exposition est la quantité de lumière qui atteint le capteur (ou le film) de votre appareil. La luminosité ou l'obscurité de vos images dépend de l'exposition. Une fois que vous aurez une bonne compréhension de l'ouverture, de la vitesse et de la sensibilité, vous devez rassembler ces trois facteurs et apprendre à les combiner pour créer une exposition parfaite. La luminosité ou l'obscurité de vos images dépend uniquement de vous parce que la photographie n'est pas exactement comme les mathématiques. Les décisions que vous prenez concernant l'exposition ne peuvent absolument pas être bonnes ou mauvaises, il s'agit plutôt de comprendre le potentiel esthétique d'une certaine scène sous une certaine exposition. Cependant, vous devez savoir comment ajuster vos paramètres pour obtenir l'exposition spécifique que vous recherchez.

MAÎTRISER LA PROFONDEUR DE CHAMP

La profondeur de champ est le deuxième facteur crucial en photographie que tout débutant devrait comprendre dès le début. La profondeur de champ est la zone de netteté acceptable dans la photo. Pour dire plus clairement les choses, il s'agit de la distance entre les parties nettes les plus proches et les parties nettes les plus éloignées dans l'image. La profondeur de champ est l'une de ces choses qui semblent simples lorsque vous commencez à apprendre le sujet, mais cela devient de plus en plus complexe à mesure que vous en apprenez davantage. Cependant, même le niveau de base des connaissances sur la profondeur de champ peut améliorer considérablement vos photos. Il y a quelques paramètres à prendre en compte lors de la définition de la profondeur de champ : l'ouverture du diaphragme, la (distance) focale, la distance qui sépare le sujet de l'arrière-plan et la distance qui sépare l'appareil et le sujet. Une certaine combinaison de ces facteurs se traduira par la profondeur de champ que vous voulez. Il est également important de prendre en compte le type de sujet que vous photographiez (paysages ou portraits) et le type d'objectif que vous possédez (focale fixe ou zoom) afin de comprendre quelles sont vos options et limitations en matière de profondeur de champ.

ACQUÉRIR LE SENS DE LA COMPOSITION

La composition est un très vaste sujet qui ne concerne pas seulement la photographie, mais les arts visuels en général. Il s'agit de l'arrangement correct et percutant de divers éléments visuels. La composition est un terme plus large que la perspective car elle comprend de nombreux autres facteurs tels que l'organisation générale des lumières, des lignes, des formes, des couleurs, des textures, des motifs, des cadres et des mouvements. Il n'y a pas de superbes photos sans d'excellentes compositions. Il y a quelques règles de composition bien connues ainsi que la terminologie que tout photographe doit avoir entendu parler, comme la règle des tiers, l'espace négatif, l'équilibre ou les chemins visuels. Ce sont en fait plus des lignes directrices que des règles, car elles peuvent vous aider à mieux organiser les éléments de votre cadre, mais vous n'avez pas à vous y tenir aveuglément. Être capable de créer quelque chose de vraiment intéressant est bien plus important que de simplement suivre les règles. Par exemple, vous pouvez suivre la règle des tiers en plaçant votre sujet le long d'une de ces lignes de tiers, mais si vous pensez qu'une telle composition n'améliore pas votre idée photographique de quelque façon que ce soit, vous pouvez intentionnellement enfreindre cette règle. Cela signifie que vous pouvez placer votre sujet au centre de la vue pour mettre en évidence la symétrie de votre scène ou la placer près du bord du cadre pour améliorer l'idée de mouvement ou d'espace négatif. Le sens de la composition est quelque chose que vous pouvez développer spontanément. Plus vous photographierez et meilleures seront vos compositions.

Si vous voulez améliorer votre compétence de photographe, ces trois règles sont un excellent matériel pour commencer. Même si tous les amateurs de photographie sont différents en termes de compétences d'apprentissage, ces règles de base peuvent être comprises en une période relativement courte. Pourquoi ne pas y penser chaque fois que vous prenez votre appareil photo et améliorez vos compétences petit à petit tous les jours un peu plus ? Qui a dit que la photographie était difficile ? Trois petits trucs de rien du tout et vous voilà sur les rails !...

Donc, recherchez les articles de mon site pour acquérir les connaissances soulignées ici et vous aurez toutes les clés pour devenir un meilleur photographe !...

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Définir son style est l'un des aspects de la photographie, sinon le plus difficile, au moins le plus long. Il faut de nombreuses années, quand encore on y arrive (!), avant de commencer à affiner son propre style photographique.

Nous allons essayer d'oublier tous ces essais et ces erreurs du passé pour commencer à déterminer notre style dès maintenant ! C'est un processus incroyablement simple en fait, même si on s'en fait toute une montagne (!), qui, après la lecture de cet article, pourra vous sembler complètement évident, mais que vous n'avez probablement jamais envisagé sous cet angle... Pour rendre cela facile à appréhender, nous allons décomposer ce processus en trois phases, trois phases toutes simples qui risquent de vous faire grincer des dents, voire vous arracher les cheveux...

Première phase : exploration
Donc, vous devez d'abord explorer, tout commence avec l'exploration, et pas uniquement en photographie, non ? Commencez donc par créer un dossier sur votre ordinateur, ou créez une boite à chaussure spécifique si vous conservez des images papier argentique. Nommez ce dossier (ou cette boite) "Développement Style" ou quelque chose de similaire. De là, vous devrez commencer à regarder des photos, des tonnes de photos (!!!!!)... Parcourez le web, feuilletez des ouvrages de photo, des magazines photo, etc., assurez-vous de regarder de nombreux types de photos de différentes périodes, différents genres et de nombreux photographes différents. Chaque fois que vous tombez sur une photo qui résonne en vous, ajoutez une copie dans le dossier (ou la boite à chaussure). Vous ne savez peut-être pas (encore) pourquoi vous êtes attiré par cette image en particulier, mais pour l'instant, il suffit de l'ajouter au dossier. Ne vous préoccupez de rien d'autre !... Cela va vous prendre des semaines, voire des mois à regarder des photos, mais croyez-moi, ça en vaut la peine ! Et plus cette période sera longue et plus vous aurez vu de photos et plus l'exercice sera efficace !...

Deuxième phase : analyse
Une fois que vous avez une assez grande collection d'images. Ouvrez ce dossier géant d'images. Nous allons commencer par regarder à nouveau toutes ces photos que vous avez enregistrées et commencer à analyser. À ce stade, vous ne saurez probablement pas encore ce qui vous attire dans ces images, mais ne vous inquiétez pas, car nous allons les analyser et comprendre tout cela. Le but de cette phase est d'apprendre ce qui vous stimule photographiquement. La meilleure façon d'y parvenir est d'analyser les photos que vous aimez afin que vous puissiez commencer à vous comprendre vous-même et commencer à comprendre où sont vos désirs de photographe.

Prenez un carnet et un stylo ou ouvrez le bloc note de votre OS. En parcourant les images -en les regardant attentivement une à une serait plus juste- essayez de trouver des similitudes entre elles. Fondamentalement, ce que vous faites est d'essayer d'établir non seulement le pourquoi ces photos vous parlent, mais aussi ce que la plupart (ou la totalité) de ces photos ont en commun pour faire une corrélation entre le pourquoi (elles vous attirent) et le comment (elles ont été créées).

Ces photos sont-elles très colorées et vibrantes ? Peu colorées et vibrantes ? Contrastées ou non ? Y a-t-il y a des personnages dans le cadre, ces personnes posent ou non ? Comment vous sentez-vous face à cette photo ? Comment a-t-elle été composée ? Le but ici est de verbaliser ce stock d'images. Ces mots griffonnés sur le carnet (ou sur le bloc note de votre écran), cette liste d'adjectifs devient le début de votre style.

Une fois que vous aurez parcouru ce processus et analysé toutes les photos du stock, vous pourrez commencer à identifier que vous êtes en train d'ourler votre personnalité photographique et commencer à comprendre le type de travail que vous voulez créer. Une fois que vous saurez ce que vous voulez créer, votre style sera défini !....

Troisième phase : croissance et développement
Vous avez donc maintenant une idée de ce que vous voulez créer. Il est maintenant temps de développer cette idée dans un style photographique développé et unique. Tout commence par photographier d'une manière qui essaie de suivre votre liste, emportez votre liste un certain temps avec vous en toute circonstance et relisez-la souvent !... Chaque fois que vous porterez l'œil au viseur, demandez-vous : "Est-ce assez coloré ? Contrasté ? Ma composition est-elle simple ?"(passez en revue toute votre liste, mais vous aviez compris !). Si vous pouvez répondre « oui » à toutes ces questions, vous pourrez déclencher. Si une réponse était « non », il faudra s'arranger pour trouver un moyen de transformer ce « non » en « oui ». Au début c'est une pensée consciente qui vous harcèle : « Est-ce que cela correspond à ce que tu veux créer ? ». Mais, après un certain temps, ce questionnement deviendra inconscient et machinal, c'est à ce moment précis que le développement réel commence à se produire. Ce style inconscient est le terreau de votre style personnel, il suffira simplement de photographier, d'expérimenter et de construire des expériences qui fonctionnent pour vous et d'oublier celles qui ne s'accordent pas avec ce style.

Ne faites pas comme moi (cela m'a fait perdre des mois en plus !!!), à ce stade du développement de votre style essayez de ne pas trop regarder le travail d'autres photographes, cela risque d'interférer dans votre construction puisque cela risque d'influencer votre propre travail -ce n'est pas une mauvaise chose en soi de regarder toujours le travail des autres MAIS pas pendant cette phase !!!-.

Cette technique est celle que j'ai utilisée pour moi. Je trouve qu'elle m'a été bénéfique, c'est pourquoi je vous la propose. Mais, bien sûr, il peut y avoir des centaines d'autres techniques qui permettent d'obtenir le même résultat...

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Pour quiconque lit cet article, pour peu qu'il soit sérieux au sujet de sa création photographique -peu importe qu'il soit débutant ou confirmé- il est probable que parmi les objectifs principaux on trouve : s'améliorer au fil du temps. Nous voulons tous voir une amélioration constante de notre travail (même si les échecs sont inévitables -et même conseillés !-). Mais pour savoir si on évolue, encore faut-il pouvoir auto-évaluer objectivement la qualité de son travail... Pour ce faire, on peut suivre quelques directives d'auto-critique. J'en ai déjà parlé par ailleurs. Mais, plus précieux encore, il existe un moyen d'obtenir des informations précieuses sur notre photographie avant même d'appuyer sur le déclencheur... Si vous voulez améliorer votre photographie, quel que soit votre niveau, posez-vous ces cinq questions avant de faire une photo :

1) Pourquoi est-ce que je souhaite faire ce cliché ?
Cela ressemble probablement à une question qui ne présente aucun intérêt. Évidemment, c'est parce que le coucher de soleil est superbe ou parce que les fleurs sont belles ou, ou, ou... De combien de raisons avez-vous besoin pour faire une photo ? Eh bien, vous n'avez pas besoin d'une seule raison particulière !... Vous êtes absolument autorisé (et devriez même être stimulé) à shooter ce que vous voulez quand vous le voulez sans aucune raison. Mais si vous êtes intéressés par la photographie réfléchie, alors vous devriez vous demander pourquoi vous êtes sur le point d'appuyer sur le déclencheur. Qu'arrivera-t-il à ces photos une fois qu'elles seront dans la boîte ? Voulez-vous les partager ou allez-vous les oublier sur votre disque dur ? Est-ce que le sujet a une signification particulière pour vous ? A-t-il une valeur narrative ou esthétique ? Bien que je souligne toujours l'absolue nécessité de s'amuser en photographiant, je dis aussi que ce ne serait pas un luxe d'avoir une bonne raison d'appuyer sur le déclencheur...

2) Qu'est-ce que je tente de communiquer avec cette image ?
Cette question découle naturellement de la précédente. Si vous avez une raison de prendre une photo vous essayez probablement de communiquer une idée ou une émotion. Cela peut être difficile à réaliser avec une seule photo en une seule dimension, mais plus vous réfléchissez à ce que vous photographiez et pourquoi vous le photographiez, plus vous avez de chances de réussir à communiquer le concept voulu. Par exemple, si vous voulez transmettre aux spectateurs la chaleur oppressante d'une soirée d'été en ville, une photo du soleil couchant ne suffira pas. Il faut disposer d'un casting de soutien pour raconter l'histoire. Attendez des promeneurs vêtus de shorts et de sandales, la peau scintillante de chaleur et d'humidité voire équipés pour lutter contre la chaleur (ventilateur portatif, cornet de glace, éventail, que sais-je, regardez autour de vous, la chaleur de cet été 2018 devrait vous fournir toutes les réponses à cette problématique !). Vous avez maintenant tous les éléments dont vous avez besoin pour communiquer quelque chose de significatif et de compréhensible !...

3) Est-ce que j'utilise le meilleur angle ?
Le premier angle n'est presque jamais le meilleur. Bien sûr, le « meilleur » est très subjectif mais il est de votre intérêt de passer du temps à chercher un angle qui flatte vraiment votre sujet. L'angle que vous choisissez peut dépendre des caractéristiques géométriques du sujet, comment votre sujet est éclairé d'un côté, où tombent les ombres ou s'il y a des distractions potentielles dans la scène. Prendre le temps de travailler les angles conduira presque toujours à une meilleure photo.

4) Ne devrais-je pas faire cette image à un autre moment de la journée ?
Puisque la lumière varie en qualité et en quantité au cours de la journée, elle peut avoir un impact capital sur tout ce que vous photographiez. C'est pourquoi vous entendez tant de photographes parler de l'heure dorée ou de l'heure bleue -ces heures du jour où la lumière est considérée comme la plus belle, particulièrement en termes de douceur et de température de couleur-. Si vous avez déjà pris une photo à midi et senti que le résultat était plat et sans intérêt, malgré une bonne composition, retournez au même endroit et prenez le même sujet plus tard dans la journée ou en début de soirée. Vous obtiendrez un résultat radicalement différent et apprendrez des leçons importantes sur la nature de la lumière.

5) Y a-t-il des distractions dans le cadre ?
Rappelez-vous de vérifier dans le viseur tout ce qui pourrait détourner l'attention du point d'intérêt principal. Si vous avez l'habitude de prendre rapidement une photo et de passer ensuite à la scène suivante, vous pourriez peut-être envisager de faire un petit travail sur vous-même. Ne comptez pas sur le post-traitement (argentique ou numérique) pour supprimer les objets gênants... cela ne peut pas toujours être fait de cette manière et, si cela est possible, il y a de fortes chances que cela prenne beaucoup de temps. Vérifiez toujours votre cadre à la recherche des distractions. Il est souvent beaucoup plus facile et rapide de recomposer afin d'éliminer les distractions que d'avoir à les traiter en post-prod'. Ce n'est pas toujours possible et dans ce cas uniquement, faites appel aux techniques de laboratoire (argentique ou numérique) !...

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Ce sont des questions fondamentales qui visent à vous permettre de prendre conscience de ce que vous faites -et de ce que vous avez l'intention de faire- chaque fois que vous portez votre appareil photo à vos yeux. Au-delà des éléments de base tels que l'exposition et la composition, vous poser ces questions vous aidera à améliorer vos images en vous permettant de réfléchir sur votre création.

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Le plus souvent, quand on lit les articles conçus pour aider le lecteur à devenir meilleur photographe, dans mon site ou ailleurs, les étapes spécifiques proposées ne font référence qu'à des aspects techniques (pas trop dans le cas de mon site !). Ils traitent de la mise au point, de la composition, du bon mode de mesure, ainsi que d’autres préoccupations telles que la création d’une bonne photographie. On ne peut nier l’importance de ces sujets. Les bases sont fondamentales et vous devez vous familiariser avec les techniques de base de la création de photos. Les techniques, cependant, ne peuvent apporter que peu de satisfaction à un photographe qui s'efforce de créer un travail significatif. Donc, si vous avez assimilé tous les détails techniques, que vous avez compris mes articles précédents, mais que vous vous demandez encore comment vous dépasser, j'ai quelques idées (de plus) pour vous...

— Trouvez votre inspiration. Lorsque vous pensez à l'inspiration, votre première idée est probablement de commencer à compiler une liste mentale d'autres photographes dont le travail vous émeut. C'est certainement une option légitime, mais vous pourriez essayer d'en élargir la portée. Dans mon site, je vous propose une page exclusivement consacrée à l'inspiration et énormément d'articles disséminés un peu partout traitent également du sujet (chercher ici). Écoutez vos musiciens préférés ou regardez vos films préférés, passez du temps avec une personne ou dans un lieu qui vous inspire. Tout peut faire circuler votre créativité. Peu importe où vous trouvez votre inspiration, la chose la plus importante que vous puissiez faire pour vous-même, quand ce moment magique apparait, est d'agir en pratiquant la photographie puis, d'analyser l'origine de cette illumination.

— Racontez votre propre histoire dans votre style. Je suppose que poster des selfies de vacances et des images de ce que vous mangez pourrait être interprété comme racontant votre propre histoire, mais ce n'est pas vraiment ce que je veux dire dans le contexte !!!... L'une des caractéristiques de la photographie durable est qu'elle est facilement associée à son créateur. Vous reconnaissez (ou au moins avez une idée) une photo de Robert Doisneau lorsque vous la voyez. Il en va de même pour tous les grands photographes que vous appréciez... Bien qu'il soit parfaitement acceptable d'être inspiré par le travail des grands noms, votre objectif ne devrait pas être d'en faire une copie conforme. Même lorsque vous utilisez votre appareil photo pour raconter les histoires des autres, vous filtrez leur expérience à travers votre objectif (votre vécu, votre sentiment, votre sensibilité). Apprendre à communiquer votre vision vous aidera, une fois que vous aurez trouvé votre public, à transcender votre travail pour qu'il se démarque de celui des autres.

— Cassez les règles et expérimentez. La photographie est accompagnée de son propre assortiment de règles, de directives et de bonnes pratiques, de même que toute autre activité créative (ou non). Je vous ai beaucoup parlé de nombre de ces règles dans les pages de mon site (chercher ici). Il est indispensable de bien comprendre les principes fondamentaux si vous voulez être, à tout le moins, un photographe compétent sur le plan technique. Connaître les règles et les appliquer est ce qui vous met sur la bonne voie, mais au fur et à mesure que vous maîtriserez les bases, vous ressentirez probablement une certaine appréhension à propos de ce que vous faites. Être mal à l'aise signifie simplement que vous grandissez. Il est maintenant temps de commencer à expérimenter et à enfreindre les règles. C'est exactement à vous de décider comment vous allez ne vous imposez aucune limite, mais continuez à apprendre et à chercher l'inspiration (et les bons conseils des autres : faire un tri drastique parmi ces autres !...).

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En suivant le chemin décrit ci-dessus, vous finirez par découvrir que vous avez bouclé la boucle, au fur et à mesure que vous expérimentez, vous vous sentirez inspiré, ce qui vous encouragera à étoffer davantage votre style personnel, ce qui précipitera plus d'expérimentation. Certes, les compétences de base en photographie peuvent être enseignées. Peut-on enseigner les composants les plus abstraits du processus photographique ? Je ne vois pas comment. Je crois toutefois que l’utilisation efficace de ces compétences sépare finalement un bon photographe d’un grand photographe. Utilisez les compétences techniques de base comme base, puis coloriez joyeusement en dehors des lignes pendant que vous construisez votre talent artistique.

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Bon, OK, je veux bien être un meilleur photographe, nous voulons tous devenir meilleur photographe ! Il y a déjà un certain nombre d'article sur cette page pour nous aider, mais je ne sais pas pourquoi, il me manque un petit quelque chose et ça me mine !... Dans quelle direction dois-je faire le forcing ?

Tous les photographes ont entendu parler du moment décisif. L'origine de ce poncif se trouve dans un livre d'Henri Cartier-Bresson, la phrase est devenue l'une des plus emblématiques de la photographie. Le moment décisif est le moment où la composition sur laquelle vous travaillez devient parfaite. C'est le moment qui raconte toute l'histoire de la scène, tout ce qui s'est produit avant et tout ce qui se produira après le déclenchement. Cela peut être dû à l'ajout (ou la disparition) de quelque chose dans le cadre ou même à un changement subtil de la lumière. C'est le point précis du temps où une bonne photo devient une excellente photo.

Le problème est que, d'un autre côté, en tant que photographes, on nous apprend à viser la perfection technique. Cela est donc en contradiction avec le moment décisif. D'un côté, un instinct visuel qui peut avoir besoin de prendre le pas sur les paramètres techniques, de l'autre, une création de l'image au quart de poil...

Aujourd'hui, dans cet article, nous allons essayer d'examiner les domaines de la photographie où la perfection technique peut être plus importante que le moment décisif et vice versa. Nous allons également chercher des moyens d’améliorer l’aspect technique des photographies tout en étant prêt à saisir ce moment...

La photographie qui nécessite une perfection technique commence souvent par la planification précise et exhaustive. Le paysage, l'architecture et la nature morte en sont des exemples emblématiques. Le résultat final nécessite un éclairage peaufiné, une exposition parfaite, une balance des couleurs et une netteté parfaite du sujet. Dans la plupart des cas, ces images auront été préconçues longtemps avant la prise de vue !... Malgré l'exigence de perfection technique, ces types de photographie peuvent tout de même gagner à capturer le moment décisif. La photographie en extérieur, comme l'architecture et le paysage, exige que la lumière soit parfaite. Le moment décisif dans ces situations est souvent la seconde fugace pendant laquelle la lumière devient absolument parfaite... Le fait que nous ayons déjà tout mis en place facilitera la capture de ce moment. Nous n'aurons peut-être qu'à ajuster légèrement l'exposition pour obtenir le cliché parfait.

Qu'en est-il du moment décisif ? L'une des images les plus emblématiques est à la fois (trop) granuleuse et (franchement) floue, créée par Robert Capa, le jour J en 1944. Un soldat qui se bat pour débarquer dans l'une des plus grandes batailles de l'histoire. L'image fonctionne parce qu'elle a capturé le moment décisif de l'action, elle résume, à elle seule, les quatre années de guerre, l'horreur de la guerre, la libération et le retour à la paix... Tout cela dans une image fixe !... Le déclenchement a eu lieu au point où tous les éléments du cliché se combinent pour former la composition parfaite. Les aspects techniques sont sans rapport avec la puissance de l'image, ils sont secondaires voire négligeables...

Le documentaire et le photojournalisme ou la photographie d'action sont les formes les plus évidentes de la photographie où le «moment» est plus important que la perfection technique. La photographie de rue est un autre excellent exemple. Dans tous ces cas, le photographe devrait rechercher les différents éléments de la scène réunis dans une composition parfaite plutôt que de s’efforcer de rendre l’image techniquement parfaite. Cela ne veut pas dire que les aspects techniques doivent être ignorés ou négligés, il faut bien rendre l'image reconnaissable !...

De par sa nature même, saisir le moment décisif peut être très imprévisible. Nous pouvons, cependant, utiliser notre expérience photographique pour augmenter les chances d'obtenir une excellente photo. La connaissance approfondie de son matériel aide énormément. Vous devez pouvoir changer instinctivement tous les paramètres. Il faut également apprendre à savoir lire la lumière sans avoir besoin d'un posemètre. Les posemètres intégrés dans nos boîtiers sont fantastiques mais ils peuvent encore être plus lents que l'instinct du photographe. Et en plus, Capa n'en disposait pas en 1944 !!! La mise au point automatique est souvent beaucoup plus rapide que la mise au point manuelle mais seulement si vous savez comment l'utiliser. Et en plus, Capa n'en disposait pas en 1944 !!! Les caméras modernes nous permettent de saisir le moment décisif tout en maintenant un haut niveau de qualité technique. Cependant, pour utiliser cette capacité, nous devons être à l'écoute de la scène, de la lumière et de nos boîtiers. Tout cela vient uniquement avec l'expérience... Donc, quel que soit la direction que vous souhaitez travailler (perfection technique OU moment décisif), c'est en approfondissant son acte photographique et en pratiquant beaucoup que l'on parviendra à mixer parfaitement tous les éléments d'une meilleure photographie...

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Il y en a probablement plus, mais ces 15 points représentent le minimum vital vous permettant d'évoluer... Certes, cet article sera long -il y a déjà eu pire dans mes pages- mais il servira de résumé de nombreux articles déjà traités par ailleurs dans mon site. Ne le négligez pas !...

Faire une photo ne consiste pas simplement à appuyer sur le déclencheur. Outre les considérations techniques telles que l'exposition, il y a des choses comme la composition et le timing qui sont tout aussi importantes à prendre en compte. Différents genres photographiques peuvent exiger certaines connaissances spécifiques, mais il y a certaines choses que tout photographe sérieux devrait comprendre lorsqu'il est question des fondamentaux. Une compréhension pratique de celles-ci vous permettra d'être mieux préparé lorsque vous photographiez et que vous avez davantage confiance en vos photographies. La plupart des conseils que vous trouverez ici vous seront utiles si vous disposez d’un appareil photo permettant de contrôler manuellement le processus de prise de vue (ce qui est bien le moins).

1) Comment garder l'appareil stable. Garder l'appareil stable est essentiel pour capturer des photos nettes. Lors de la prise de vue il est important de savoir comment tenir l'appareil photo correctement pour éviter les secousses, en pliant les coudes, en expirant lorsque vous shootez et en utilisant un mur ou une autre surface pour vous stabiliser. En règle générale, lorsque vous photographiez à main levée, la vitesse d'obturation ne doit pas être inférieure à « 1 / focale » pour éviter le flou dû au bougé de l'appareil (par exemple, 1/100 pour une focale de 100 mm). Bien entendu, la « stabilisation d'image » de votre matériel vous permet d'utiliser une vitesse d'obturation plus lente, mais gardez cette limite en tête si vous devez utiliser du matériel non équipé de cette fonction (matériel argentique par exemple). Utilisez un trépied lorsque la vitesse d'obturation nécessaire est trop lente pour la prise de vue à main levée. J'ai déjà développé plus en profondeur ce point par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

2) Utilisez les différents outils de composition. Il existe de nombreuses directives de composition pour vous aider à mieux composer vos photos. Bien sûr, vous pouvez (vous avez même parfois tout intérêt à) enfreindre ces règles après les avoir apprises, mais au début, cela aide d'utiliser ces outils. Les règles de tiers, les lignes directrices, la symétrie, la juxtaposition et l'espace négatif sont quelques-uns des outils de composition, pour n'en citer que quelques-uns. La perspective, le timing et le fait de savoir quoi inclure et ce qu'il faut laisser de côté sont aussi des facteurs importants à prendre en compte avant d'appuyer sur le déclencheur. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

3) Connaitre parfaitement le triangle d'exposition. Le trio ouverture / vitesse d'obturation / sensibilité ISO sont les paramètres principaux qui déterminent l'exposition de l'image sur le capteur de l'appareil photo (ou sur le film) après avoir appuyé sur le déclencheur. L'ouverture contrôle la quantité de lumière passant à travers l'objectif, la vitesse d'obturation correspond à la durée pendant laquelle le capteur ou le film reste exposé à la lumière et la sensibilité ISO correspond à la sensibilité du capteur ou du film. Ces paramètres sont ajustés en fonction de la situation d'éclairage ou des exigences de l'image. Un changement d'une unité de chacun de ces paramètres modifie essentiellement la quantité de lumière capturée par un facteur de deux (doublement ou réduction de moitié). J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

4) Maîtriser les modes de mesure et la compensation de l'exposition. La mesure se rapporte au processus consistant à mesurer la lumière d’une scène que vous souhaitez photographier, en utilisant l’un des différents modes de mesure de l’appareil, pour obtenir les paramètres d’ouverture, de vitesse et d’ISO (triangle d’exposition), paramètres suggérés par votre appareil photo pour obtenir l'exposition souhaitée sur votre photo. Vous disposez de plusieurs modes de mesure, évaluatif, pondéré central et spot. La compensation d'exposition vous permet de modifier progressivement l'exposition autour des paramètres par défaut proposés par l'appareil photo après la mesure. La compensation d'exposition est généralement nécessaire lorsqu'il y a des zones très claires ou très sombres dans une scène. Effectuer une correction de l'exposition corrige l'exposition en fonction de vos besoins. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

5) Connaitre parfaitement les paramètres de l'appareil pour capturer des photos nettes. À moins que vous ne souhaitiez capturer intentionnellement du flou, vous cherchez à capturer l'image la plus nette possible. La netteté de l’image est affectée par divers facteurs et peut être améliorée en choisissant une ouverture de niveau intermédiaire (par ex. f/5.6 à f/8), en respectant une valeur ISO minimale et une vitesse d’obturation suffisante permet obtenir la bonne mise au point et garder la caméra stable lors de la prise de vue. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

6) Savoir comment l'ouverture affecte la profondeur de champ (capture du flou d'arrière-plan). Le réglage de l'ouverture contrôle la taille du diaphragme et détermine la quantité de lumière qui pénètre dans l'appareil lorsque vous faites la photo. Cela affecte également la profondeur de champ (la zone de mise au point en profondeur acceptable dans une image). Une ouverture plus petite (nombre f plus élevé, par exemple f/11) fournit une profondeur de champ plus grande qu'une ouverture plus grande (nombre f plus petit, par exemple f/2.8). Cependant, d'autres facteurs affectent également la profondeur de champ, tels que la distance entre le sujet et l'appareil photo et la distance focale à laquelle vous photographiez. Tous ces facteurs entrent en jeu lorsque vous souhaitez capturer un beau flou d'arrière-plan, également appelé bokeh. La prise de vue près du sujet, l'utilisation d'une grande ouverture et la prise de vue à une distance focale longue peuvent vous aider à capturer un bon flou d'arrière-plan. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici

7) Savoir comment la vitesse d'obturation affecte le mouvement dans l'image. Lorsque vous utilisez une vitesse d'obturation lente, tout mouvement se produisant dans l'image est capturé sous forme de flou (ou de traînée). De même, tout mouvement de caméra estompe également l’ensemble du cadre. Par conséquent, il devient nécessaire d'utiliser un trépied pour photographier des expositions longues. En revanche, une vitesse d'obturation rapide gèle le mouvement. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

8) Savoir comment la balance des blancs (ou la filtration s'il s'agit de film) affecte les couleurs de votre photo. La couleur de la lumière influe sur l'apparence de vos photographies. Le réglage de la balance des blancs peut vous aider à vous adapter aux conditions d'éclairage variables et à prendre en charge les éventuelles dérives de couleurs. Il peut être ajusté en interne (dans le boîtier) lors de la capture de la photo, ou vous pouvez le modifier en post-traitement si vous photographiez en format brut (RAW). La balance des blancs peut également être utilisée de manière créative. Vous pouvez ajouter de la chaleur ou de la froideur à vos images en utilisant une température de couleur appropriée pour un tel effet. Par exemple, un réglage de la balance des blancs sur « Nuageux » ou « Ombre » en plein soleil peut rendre vos images plus chaudes. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

9) Comprendre l'utilisation de différents modes de mise au point automatique sur votre appareil photo. La mise au point automatique vous aide à obtenir une mise au point nette sur vos photos. Il existe deux principaux modes de mise au point automatique (AF) : 1) AF unique, utile pour photographier des objets fixes, et 2) AF continu, utilisé pour photographier des objets en mouvement rapide. Un troisième mode de mise au point automatique appelé AF servo-auto (ou équivalent selon les marques) permet à l'appareil photo de choisir lequel des deux modes AF sélectionner. La mise au point automatique peut avoir du mal à fonctionner correctement dans des conditions de faible luminosité ou lorsque le contraste local est insuffisant à l'endroit où vous souhaitez effectuer la mise au point. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

10) Connaitre les différents modes de prise de proposés par votre appareil photo. Bien que le mode manuel vous permette un contrôle maximal du processus photographique, les autres modes de prise de vue peuvent également être très utiles dans diverses situations. Priorité ouverture et Priorité vitesse sont deux modes automatiques qui vous permettent de contrôler respectivement l'ouverture et la vitesse d'obturation, et l'autre des deux paramètres est défini automatiquement en fonction de la mesure de la scène et de la sensibilité ISO sélectionnée. Le mode Programme peut être utile lorsque vous ne voulez pas passer trop de temps à bricoler les paramètres et que vous souhaitez rapidement capturer une photo. Sur les boîtiers pour débutants, il existe une myriade d'autres modes qu'il peut être intéressant de bien comprendre et bien connaitre, même si vous devez ne les utiliser que rarement. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

11) Connaitre les avantages du format brut (RAW). De nombreux boîtiers avancés vous permettent de capturer une photo au format brut, un format d'image non traité qui contient des données non compressées par rapport au format JPEG. Les fichiers bruts ont donc plus de couleurs et de plage dynamique, ce qui aide lors du post-traitement car vous avez plus de données utilisables. En raison de la quantité de données qu'ils contiennent, la taille des fichiers bruts est très supérieure à celle des fichiers au format JPEG correspondant, ce qui peut être un paramètre lors de la prise de vue. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

12) Comprendre et savoir parfaitement utiliser l'histogramme pour évaluer une exposition. L'histogramme est une représentation graphique du nombre de pixels de chaque nuance de luminosité de chaque couleur primaire dans une photographie. Il est utilisé pour vérifier l'exposition sur une photo et pour apporter les ajustements nécessaires aux réglages de l'appareil photo. Une bonne exposition est celle qui contient des détails dans les régions les plus sombres et les plus claires de la photo, et est généralement représentée par un histogramme en forme de cloche. Un histogramme vous permet de voir si une surbrillance ou une coupure de l’ombre s’est produite dans l’image, c’est-à-dire si certaines zones sont complètement blanches ou noires, sans aucun détail. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

13) Maitriser l'utilisation de la lumière d'appoint pour déboucher les ombres. La lumière de remplissage est utilisée lorsque vous souhaitez éclairer les ombres sur un sujet. Il peut être utilisé pour photographier des sujets rétro-éclairés ou simplement pour réduire la dureté des autres sources lumineuses. Vous pouvez utiliser le flash intégré à votre appareil photo ou un flash déporté pour l'éclairage d'appoint, ou même faire rebondir la lumière sur un grand réflecteur pour éclaircir les zones d'ombre.

14) Savoir comment contrôler le bruit dans vos images. Le bruit est l'aspect visible et granuleux dans l'image qui peut découler de divers facteurs. L'utilisation d'une sensibilité ISO élevée, les expositions longues et le post-traitement imprudent peuvent tous contribuer au bruit de l'image, entre autres. Peu importe combien vous essayez de l’éviter, le bruit peut toujours se glisser dans une image. Il existe différentes manières de réduire le bruit en post-traitement pour améliorer la qualité de la photo. J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

15) Shootez plus que nécessaire. Ceci ne s'adresse qu'aux débutants et, encore plus précisément aux débutants en photo numérique ! Ce dernier point sera à oublier le plus rapidement possible, surtout en argentique, pour une question de coût (!!!). Il arrive souvent que vous photographiez quelque chose et, plus tard, lorsque vous examinez l'image, vous réalisez que vous avez raté le moment, ou peut-être que les réglages n'étaient pas corrects. Pour minimiser ce risque, utilisez le mode rafale pour capturer plus d’images afin de pouvoir sélectionner les meilleures plus tard. Prendre des photos au format brut (RAW) et utiliser le bracketing d'exposition lorsque vous n'êtes pas certain de l'exposition vous aide également à réaliser la prise de vue. Mais je le répète, entrainez-vous à réussir vos images du premier coup... compter sur la quantité pour espérer une qualité ne vous permettra jamais d'évoluer !... J'ai déjà développé plus en profondeur ces points par ailleurs sur mon site, vous pouvez chercher ici.

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Si je dois en croire mon expérience, de nombreux nouveaux photographes passent à côté de certaines choses, même fondamentales. Cela se produit pour différentes raisons : l'absence de direction claire lors de l'apprentissage de la photographie, trop d'informations sur la photographie (publications, Internet, autres photographes) et même simplement l'excitation à l'idée d'utiliser un nouveau matériel, d'apprendre une nouvelle technique ou de mettre en pratique une nouvelle règle de composition.

L'une des choses que nous avons le plus tendance à négliger est une compétence appelée sélection du sujet. Par négligence, je veux dire ne pas prendre consciemment de temps pour développer et améliorer cette compétence. Mais acquérir à dessein des connaissances et une compréhension de ce sujet est avantageux, car c’est l’une des choses qui peuvent faire sortir ses photos du magma des images sans intérêt. Pour clarifier ce que j'entends quand je parle de sélection du sujet, je vais (essayer) de le définir. La sélection des sujets est le processus de sélection de certaines personnes, de certains endroits ou de certaines choses qui conviennent à une tâche de photographie (des sujets peuvent être très intéressants mais ne sont pas traitable à leur juste valeur en photographie).

La sélection du sujet en tant que compétence vous donne la possibilité de maîtriser le processus photographique. Il ne s’agit pas de choisir les genres photographiques que vous préférez. Même si vous ne prenez que des photos de paysages, vous avez toujours besoin de compétence en sélection de sujet pour pouvoir reconnaître les scènes qui valent la peine de devenir photographie. La sélection des sujets n'est pas une histoire à raconter en image non plus. Si vous changez les acteurs d'un film, vous aurez toujours la même intrigue et la même histoire. Ce processus se concentre davantage sur l'objet spécifique de l'histoire que sur l'histoire elle-même. Avec cette analogie, il s’agit plus de choisir efficacement les personnages principaux et les sous-personnages qui seront inclus dans votre photo. Nous allons essayer, dans cet article, de nous familiariser avec le concept de sélection de sujets.

Chacun améliore son processus de sélection des sujets au fil du temps. Cela se produit parce que nous nous habituons à ce qui semble être plus efficace et plus souhaitable. Certains objets deviennent plus intéressants que d'autres au fur et à mesure que nous continuons à photographier. Lorsque nous prenons des photos de la même personne tous les jours, nous sommes plus susceptible de vouloir trouver quelqu'un d'autre comme sujet. Notre esprit s'ennuie simplement de voir toujours les mêmes choses. Je me souviens de mon premier appareil numérique (le Kodak DC 240 zoom). En l'achetant, j'ai immédiatement pensé à toutes les belles images que j'allais pouvoir créer. Je voulais que les vagues de l'océan ressemblent à des nuages ​​duveteux et que de l'eau courante ressemble à de la soie. Je voulais aussi capturer des portraits nets avec des arrière-plans flous. Tout ce que je savais faire en argentique. C'est devenu mon but. Après plusieurs lectures du manuel, j'ai commencé à tirer tout et n'importe quoi, littéralement tout ce que je voyais ! J’ai pris des photos du vase de fleurs de ma mère, de la nourriture sur la table, de mon chien, du jardin, des oiseaux qui volaient, de la boîte aux lettres, des enfants du parc voisin, etc. J’ai pris toutes ces photos pour tester mon nouvel équipement. La plupart du temps, cependant, mes photos étaient plus que nulles, alors j'ai délibérément pris le temps d'apprendre à utiliser mon appareil photo numérique jusqu'à ce que je puisse créer des expositions longues et un flou d'arrière-plan assez uniforme. Dans ma quête pour maîtriser ces deux techniques, j'ai appris à composer des photographies et à apprendre l'exposition avec ce matériel... Il faut savoir que j'avais déjà plus de 30 ans de photo argentique derrière moi et, malgré tout, avec ce changement de philosophie (argentique/numérique), je ne sortais rien de bon !... Bien sûr, en termes de capacité, il y avait un monde entre un reflex argentique (même simple !) et le Kodak DC 240 qui n'est qu'un compact point and shoot, même s'il permet de travailler ses photos une fois compris son mode d'utilisation... J'ai également passé beaucoup de temps à apprendre à utiliser les logiciels de traitement d'image. Ce n’est que quelque temps plus tard, lorsque j’ai commencé à me poser certaines questions, que j’ai commencé à comprendre le concept de sélection du sujet avec ce petit numérique puisque ce choix était différent de celui que je faisais avec mon reflex argentique. C'est fou, cette sélection était acquise en argentique et perdue à la seconde où j'utilisais le matériel numérique !!!...

Pourquoi est-ce que je veux prendre des photos de cette personne et non de cette autre personne ? Qu'est-ce qui rend cette photo plus intéressante que mon propre travail dans cette photo ? Ce que je viens de vous décrire est un processus normal d’apprentissage de la photographie. Non pas que l'on oublie tout en passant de l'argentique au numérique, mais qu'en débutant (et le début du numérique était -psychologiquement- un nouveau début), on fait toujours face à ce problème. La plupart des photographes à l'ère numérique apprennent la photographie de cette façon. Je pense que connaître les compétences dont vous avez besoin pour exceller en photographie sera bénéfique à tout apprenant (comme on dit aujourd'hui).

La sélection des sujets est rarement enseignée dans les cercles classiques d’apprentissage de la photographie, probablement parce qu’elle est de nature très subjective. Il est difficile de créer des règles autour de cette compétence. Cela dépend beaucoup de l’intention de chaque photographe et de la manière dont son public cible percevrait une photo. Considérez ces questions : Certains sujets sont-ils plus intéressants que d’autres ? Qu'est-ce qui rend un sujet intéressant ? Puis-je augmenter l’intérêt du spectateur sur un sujet donné ? Si oui, comment puis-je y parvenir ? Ce sujet peut être traité au mieux avec le matériel à ma disposition ? La sélection des sujets implique la prise de conscience et l’évaluation de la valeur des intérêts d’un sujet. La sensibilisation implique de savoir quoi rechercher dans un sujet alors que l'évaluation est une évaluation active d'un sujet. Parlons, si vous voulez, davantage de la valeur de l’intérêt.

Pour comprendre la sélection des sujets, nous devons comprendre que chaque objet a une valeur d’intérêt. La valeur d’intérêt est une valeur que nous attribuons à des objets spécifiques pour déterminer son degré d’intérêt. On peut aussi appeler cela valeur visuelle ou valeur de réponse visuelle. Nous utiliserons ces termes de manière interchangeable.

Tout d'abord, vous devez savoir que certains sujets sont vraiment plus intéressants que d'autres. C’est vrai parce que c’est ainsi que fonctionne la nature humaine. Pourquoi préférez-vous une personne plutôt qu'une autre ? Pourquoi choisissez-vous cette voiture et pas celle-là ? Pourquoi aimez-vous ce type de nourriture par rapport à un autre ? Tout dans la vie a une valeur d’intérêt. Plus la valeur est élevée, plus le risque de sélection est élevé. Des questions similaires sont posées en photographie. Pourquoi les éditeurs de photo de magazine préfèrent-ils une image par rapport à une autre ? Pourquoi un sujet cadrerait-il mieux avec une campagne publicitaire par rapport aux autres sujets ? Pourquoi un modèle est-il plus approprié pour un shooting que tel autre collègue ?

Imaginez que vous participez à un concours. Le thème du concours est « L’objet le plus intéressant ». Vous devez rechercher l’objet le plus intéressant de votre maison. Quel objet choisiriez-vous comme sujet ? Allez-y essayez de répondre maintenant... Participer activement à cette activité peut vous aider à mieux comprendre ce concept. Avez-vous trouvé l'objet le plus intéressant ? Ok, prenez maintenant le temps de répondre à cette simple question : Qu'est-ce qui fait que vous ayez choisi cet objet comme la chose la plus intéressante ? Écrivez votre réponse (vous pouvez avoir plusieurs réponses). Terminé ? Maintenant, concentrons-nous d'abord sur vos réponses. Vos réponses, quelles qu'elles soient, sont toutes correctes. Comment puis-je savoir même si je ne peux pas voir ce que vous avez écrit ? C’est parce que je ne peux pas me demander ce qui vous intéresse. Si l'objet que vous avez choisi vous intéresse, personne d'autre que vous ne peut le remettre en question. Cependant, lorsque nous parlons de photographie, la réalité est que nous ne créons pas exclusivement des photographies pour nous-mêmes. Nous voulons que les autres les voient pour apprécier ce que nous avons créé. Notre public n’est pas juste nous-mêmes. Si c’est un vrai concours et que vous avez l’objectif de le gagner, vous devez poser une question avant de commencer à chercher un objet : qui jugera le concours ? Lorsque vous prenez des photos, pensez-vous consciemment à qui voudrait les regarder ? Si c’est vraiment juste pour vous, alors c’est un processus facile. Mais si d'autres personnes sont impliquées, vous devez alors déterminer si elles seront également intéressées. C’est l’une des choses à prendre en compte lors du choix des sujets.

La valeur des intérêts est dictée par votre public cible. Les publics cibles varient d'un photographe à l'autre et d'un projet à l'autre. Si vous êtes invité à faire des photos d'un mariage, votre public cible sera constitué du couple qui se marie, de leur famille, de leurs amis et d'autres invités. Pour la majorité de votre auditoire, une valeur visuelle élevée est attribuée au couple en tant que sujet, et plus de poids est généralement donné à la mariée. Les invités voudront probablement aussi se voir avec le couple nouvellement marié par rapport aux photos d’autres personnes ou à la pièce montée. Si vous photographiez de la nourriture, le chef accordera probablement une grande importance à son plat signature par rapport à tous les autres plats.

En ce qui concerne les arts visuels, les gens seront plus attirés par quelque chose qu’ils ne voient pas tous les jours. Les choses courantes que vous rencontrerez auront généralement un attrait visuel moindre par rapport à une vue inhabituelle. Participer à des concours photo vous aidera à comprendre cette idée. Il y a toujours (généralement) un thème spécifique à chaque concours, alors chaque photographe essaiera de soumettre son meilleur travail correspondant à ce thème. Les juges recherchent en partie des photos qu'ils n’ont jamais vues auparavant. Les photos banales ne sont normalement pas présélectionnées. Voici un scénario qui illustre davantage ce concept : Imaginez qu'il y ait un homme vivant dans l'Arctique. On lui demande de prendre des photos de son environnement, sa propre maison, ses enfants, ce qu’il mange, ses vêtements et d’autres détails qui peuvent montrer à quoi ressemble la vie de son côté du monde. Que pensez-vous voir sur ses photos ? Il y aurait probablement des sujets comme la neige, des lacs glacés, des paysages brumeux, des igloos et des enfants vêtus de vêtements de fourrure. Maintenant, si ce photographe monte une exposition de son travail dans sa propre ville, pour que sa communauté puisse la voir, quelle valeur de réponse visuelle pensez-vous que cela aurait ? Maintenant, si le même photographe prend ses photos et monte une exposition dans un village éloigné d’Afrique, où la neige est inexistante ou probablement inconnue et où le concept de glace et de neige est une merveille, l’intérêt des mêmes photos serait-il important dans cette communauté ?

Que faites-vous avec des choses sans intérêt élevé ? Est-ce que vous les jetez simplement et cherchez un meilleur sujet ? Comme je l’ai dit plus haut, cela dépend du type de photographie que vous faites et de l’effet de levier que vous avez sur un sujet. Vous pouvez choisir d’aller de l’avant et chercher autre chose ou d’augmenter la valeur visuelle du sujet. La question est : comment ? Au cours de mes premières années de photographie, j'ai rejoint un club de photographes et suis devenu ami avec un photographe très talentueux. Il était vraiment talentueux, il gagnait régulièrement les concours photo. Je me souviens d'une fois, après des semaines et des semaines de temps torride où les nuages ​​étaient tous gonflés et épais, la pluie a commencé à tomber pendant des heures. C'était si fort que le ciel est passé de nuages ​​menaçants à couvert. J’ai entendu dire que mon ami, a voyagé trois heures vers un endroit éloigné pour pouvoir produire une photo - une seule !... C'était une photo d'une maison minable sur pilotis construite au-dessus de l'eau. Le ciel était zébré de rose. Je n'ai jamais vu un tel ciel. J'aimerais pouvoir partager avec vous cette image... Cette photo a remporté la première place du concours photo. Ce que je veux souligner avec cette anecdote, c’est qu’il était déjà venu dans cet endroit bien avant de prendre cette photo de la maison. Mais pourquoi n’a-t-il pas produit d'image à l’époque ? C’est parce que la valeur de l’intérêt n’était pas assez élevée pour qu’il remporte le prix. Il a littéralement dû attendre que l'environnement autour de son choix de sujet change pour que cela modifie également la valeur de réponse visuelle du sujet. Je dirais qu'une partie de son succès réside dans son incroyable capacité à augmenter la valeur visuelle des sujets.

Mais quels sont les facteurs qui affectent la valeur d'intérêt d'une image ? Enumérons en quelques-uns.
Éléments de conception : Cela implique la texture, la couleur, les formes, les lignes, les tons, etc. Ces éléments sont également utilisés lors de l'évaluation de la composition. Bien que la composition soit un autre problème, l’évaluation de la composition sera la prochaine étape après la sélection du sujet. Dans les moments où vous devez augmenter la valeur de réponse visuelle d'un sujet, la composition peut être impliquée dans le processus.
Éclairage : L'éclairage peut créer des accents et des drames pouvant mettre en valeur un objet. Cela affecte également l'humeur. C'est pourquoi l'heure dorée est populaire dans la photographie de paysage. L'éclairage modifie également le sujet et l'environnement autour du sujet pour mettre en évidence différents éléments de conception. Il peut créer des lignes, des textures et des formes à l'aide d'ombres, des éléments pouvant ajouter de la valeur d'intérêt à un objet.
Améliorations environnementales : Ce sont des conditions environnementales autour d'un objet qui ajoutent ou soustraient à la valeur visuelle du sujet. Cela peut toujours impliquer des éléments de conception et d'éclairage, mais implique généralement des choses réelles. Si vous avez une montagne pour un sujet, quelles sont les choses dans son environnement qui affectent la valeur de l'intérêt ? La couleur du ciel et les formations nuageuses font partie de ces choses. Le brouillard, la pluie et d'autres conditions météorologiques peuvent également modifier la valeur visuelle.
Valeur émotionnelle : Les attachements émotionnels affectent également la réponse visuelle. Cela signifie que certains objets ont une valeur émotionnelle pour certaines personnes. Une personne privée de vacances sera probablement attirée par les eaux cristallines des Caraïbes ou par une scène de coucher de soleil tropical. Une personne amoureuse aimerait probablement avoir des photos de son être cher.
Accessoires, maquillage et costumes : Vous pouvez ajouter des éléments à un sujet pour le rendre plus attrayant. C’est comme ajouter du maquillage pour rendre un visage plus symétrique et plus attrayant. Les vêtements et les costumes affectent la valeur visuelle. Cela affecte aussi l'histoire. La valeur visuelle d’un café change lorsque le lieu est vide ou plein de monde. Ici, la clientèle est un type de costume ou de maquillage pour le lieu.
Clarté de l'histoire : Avez-vous déjà vu une photo d'un objet que vous ne parvenez pas à identifier ? Les gens répondront davantage aux photos de sujets qu’ils peuvent facilement reconnaître. Bien sûr, certaines photos d'art sont des exceptions. Ce n’est pas la faute des spectateurs de ne pas comprendre en quoi consiste une photo... c’est la responsabilité du photographe.

La sélection des sujets fait partie de la phase de pré-production de la photographie. Les facteurs mentionnés ci-dessus sont des éléments à prendre en compte avant même de regarder dans le viseur de votre appareil photo. Et puisque la valeur de l’intérêt visuel du sujet est affectée par ces facteurs, il s’agit de les utiliser pour augmenter la valeur du sujet. Il y a d'autres façons de le faire, vous pouvez modifier votre point de vue, manipuler l'environnement ou attendre que l'environnement change. Vous pouvez également (éventuellement) envisager le post-traitement MAIS rappelez-vous cependant que tout doit être fait au moment où vous évaluez votre sujet. Ce moment de sélection du sujet est le meilleur moment pour décider de ce que vous pourrez (éventuellement) faire en post-production pour augmenter la valeur du sujet. La photographie conceptuelle facilite l’amélioration des valeurs de réponse visuelle. S'ils veulent un environnement brumeux pour augmenter la valeur visuelle d'un modèle (portrait), les photographes conceptuels utiliseraient probablement simplement une machine à brouillard pour créer l'effet. Les photographes de voyage et de rue se lèveraient probablement très tôt à la bonne saison et attendraient que l'environnement change pour obtenir le même effet. Rappelez-vous mon ami, le gagnant des concours photo, cela ressemble à ce qu’il faisait, il attendait que les circonstances changent dans l’environnement et accroissent la valeur de l'intérêt de son sujet.

En conclusion, l'objectif principal de cet article était de vous familiariser avec le concept de sélection du sujet en tant que compétence que vous pouvez développer consciemment. Avec les concepts que vous avez appris aujourd'hui, je vous suggère de prendre un peu de temps pour sortir de chez vous et shooter. Partez pour une promenade photo de trente minutes après avoir lu cet article. Observez votre propre processus de pensée lorsque vous sélectionnez les sujets à photographier. Voir si quelque chose a changé. Si vous le faites pour la première fois, vous remarquerez peut-être déjà quelques changements dans la manière dont vous choisissez vos sujets. Continuez à vous développer et à développer cette compétence. Et surtout, n’oubliez pas de vous amuser...

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Les obstacles de toute nature sont, la plupart du temps, une nuisance. Se perdre en forêt, heurter un mur, se sentir confus, ne pas être en mesure de résoudre un problème, partagent tous une constante intimidante à laquelle nous ne pouvons tout simplement pas échapper. Ainsi, à l'instar des ecchymoses causées par les blocages dont je viens de parler, les défis créatifs sont presque impossibles à éviter.

Être débutant en n'importe quel sujet nous oblige à faire face aux conséquences de l'inexpérience, tandis que maîtriser ce sujet menace souvent de détruire notre inspiration. De temps en temps, abandonner semble être la meilleure option. Les obstacles existent, cela ne signifie pas que vous devez chercher un sens mais que vous devez persister lorsque des obstacles créatifs apparaissent. Si vous vous sentez limité, peu sûr de vous ou effrayé, n'abandonnez pas un projet qui vous tient à cœur. Vous avez beaucoup plus de force que vous ne l'imaginez. Si vous traversez une sécheresse créative ou une phase de découragement, j'espère que cet article vous fournira au moins une étincelle d'espoir et de motivation. Bien que vous n’ayez pas besoin de vous forcer à aimer les obstacles au point qu'ils cessent de vous décourager, vous pouvez au moins apprendre à les comprendre un peu mieux. Au lieu de les voir comme des bêtes implacables dont la seule intention est de vous détruire, imaginez que ce sont juste des murs qui testent votre désir de les escalader ou de les contourner. Rien de plus, rien de moins.

Les obstacles créatifs vous aident à apprécier les détails alentours et à trouver du potentiel dans les objets du quotidien. Je n'ai pas vraiment apprécié les détails jusqu'à ce que je déménage. Là, j'ai commencé à tirer le meilleur parti de tout ce que je voyais. C'est incroyable d'imaginer le potentiel énorme qui se cache dans une seule pièce. Cela ne veut pas dire que je ne me suis pas senti limité. Tourner en rond en intérieur était souvent frustrant, le couloir était généralement encombré, un trépied tremblant ou une photo très floue. Parfois, j'abandonnais une idée de peur de ne pas pouvoir l'exécuter correctement avec mon équipement et mon espace limités. Cependant, j'ai persisté et ma persévérance m'a conduit à des opportunités inimaginables.

Dans mon cas, les circonstances m'ont obligé à tout regarder avec une immense gratitude, mais cela ne signifie pas que vous deviez déménager pour valoriser les objets de tous les jours. Ce que vous pouvez faire, c'est vous mettre au défi. Essayez un nouveau genre de photographie. Si vous avez beaucoup d’équipement, limitez-vous à un seul objectif ou à un seul appareil photo lors d’une prise de vue. Prenez des photos dans une seule pièce. En faisant face à ces difficultés, vous ferez la connaissance de l'innovateur imaginatif que vous avez toujours été. En même temps, vous renforcerez votre sens de l'observation et votre créativité.

Vous serez en mesure de tirer le meilleur parti de la lumière, de votre équipement et de l'espace. Une fois que vous avez surmonté un obstacle, vous serez mieux préparé pour de plus grandes opportunités et un environnement plus confortable. Par exemple, le fait de passer du temps à l’extérieur est une chose que j’aime beaucoup et que j’essaie d’en tirer le meilleur parti. Après avoir passé de nombreuses années à shooter en intérieur, les grands espaces sont pour moi un univers créatif sans fin. Je trouve plus d'opportunités de croissance grâce aux obstacles que j'ai rencontrés (et que je rencontrerai toujours). Gardez cela à l'esprit chaque fois qu'un problème artistique intimidant vous envahit, c'est juste un test d'habilitation déguisé... Les obstacles renforceront votre patience et votre volonté. Il faut beaucoup de maîtrise de soi pour essayer de nouvelles techniques et faire un effort supplémentaire. Persister obstinément, quelle que soit la difficulté d'une tâche, vous mènera à de merveilleux résultats, enseignements et opportunités. Même si vous n'obtenez pas immédiatement les résultats escomptés, cela vous sera une nouvelle leçon précieuse qui sera inévitablement utile à l'avenir. Une fois cette volonté renforcée, les défis créatifs deviendront moins intimidants. Plus vous rencontrez de difficultés, plus vous gagnez en puissance et plus il sera facile de surmonter certains obstacles...

Toute cette expérience admirable pourrait augmenter le succès de vos prises de vues. Savoir tirer pleinement parti des équipements à disposition vous permettra de réaliser une prise de vue de niveau supérieur. Vous serez capable d'impressionner avec votre capacité à prendre de superbes photos dans n'importe quel environnement. Le fait de pouvoir tirer le meilleur parti des emplacements les plus simples augmentera votre confiance en vous. En sachant que vous pouvez trouver une idée dans n'importe quelle situation, vous vous sentirez plus en sécurité. En conséquence, vous aurez plus de chances de réussir vos futures images.

Un travail acharné enrichira chacune de vos expériences de shooting. Travailler dur pour atteindre un objectif spécifique, comme tirer le meilleur parti d'un équipement, augmentera la valeur de vos récompenses et vous transformera en un meilleur penseur créatif. Je ne peux pas garantir que vous vous sentirez toujours bien après un blocage, mais je peux vous assurer que chaque expérience vous renforcera d'une manière ou d'une autre. Ces nouvelles forces vous aideront énormément à long terme. Ils rendront également les expériences futures plus amusantes et créatives. Lorsque des obstacles difficiles se présentent, il peut être facile de céder et de douter de soi. Ne vous en faites pas, imaginez les récompenses enrichissantes qui vous attendent de l’autre côté de cette colline escarpée. Imaginez la force que vous allez acquérir. Plus important encore, croyez en vous-même, et même les problèmes les plus effrayants seront surmontés...

Je ne dis pas qu'il faut vous imposer des blocages pour devenir un meilleur photographe, je dis qu'il faut et qu'il suffit de ne pas chercher à les éviter, les laisser arriver, les attaquer de front, sans crainte... Chaque fois que vous aurez surmonté une difficulté vous deviendrez meilleur photographe, même si vous ne le ressentez pas immédiatement, vous le constaterez sur vos résultats photographiques futurs...

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Je ne sais plus qui a dit que « Le langage de la photographie devient de plus en plus complexe et intéressant car il devient le moyen de communication le plus universel » et c'est un fait incontestable !... Étymologiquement, photographie vient du grec φωτoς (lumière) et γραφειν (peindre, dessiner, écrire) ce qui signifie autant « dessiner avec la lumière » que « écrire avec la lumière ». Et qui dit écrire dit transcrire un langage, il est donc évident que la photographie est un langage ! Mais un langage n'est pas une entité uniforme, on peut parler et écrire l'argot de la rue ou à la manière de Voltaire ou Molière. Nous écrivons constamment, tous les jours, des œuvres littéraires, des courriers administratifs, des lettres d'amour, des thèses, des courriels et des SMS... Il s'agit toujours du même langage mais plus ou moins complexe en termes de linguistique, de style et d’audience...

Nous sommes donc mis au défi de créer un travail photographique plus significatif que jamais parce que nous vivons à l'ère de la diffusion en continu. La photographie est le moyen le plus actuel de communiquer et, comme dit plus haut, le plus universel. Donc, pour créer un travail photographique significatif, nous devons définir notre style mais aussi connaitre et comprendre le public qui lira nos images... Soutenez une thèse écrite en mode SMS et vous comprendrez vite ce que je veux dire !...

Tout comme le langage écrit habituel, le langage photographique présente différents niveaux. Ainsi, par exemple, un message court via SMS ou une autre messagerie a simplement pour but d'informer quelqu'un de quelque chose. Le sérieux variera, mais il s’agit essentiellement d’une communication brève. Il en va de même pour les images publiées sur les médias (a)sociaux, dans la grande majorité des cas, elles servent un objectif à très court terme. Imaginez maintenant un roman dont l’impact est tel que même des textes centenaires sont encore lus aujourd'hui. La même chose peut arriver en photographie. Le corpus est toujours valable et significatif pour nous, le public est magnétiquement attiré par la lecture du langage photographique.

Même si la photographie nous permet de conserver un moment pendant une longue période, avec les réseaux (a)sociaux et la dynamique moderne de partage des images, la plupart des images sont vouées à être rapidement oubliées. En tant que photographes passionnés et sérieux, nous devons être en mesure de savoir quand une image mérite une existence plus longue. Mais comment, en tant que photographes, pouvons-nous obtenir cette prolongation du message que nous transmettons ? Le moyen le plus simple est de rendre l'image physique, l'extirper des supports magnétiques et des affichages à l'écran... Tirer un négatif ou imprimer une image numérique sur une feuille ou dans un livre photo confère à l’image une présence physique qui a plus de permanence.

L'expérience de la lecture d'une image sous forme physique est très efficace pour la faire perdurer dans la mémoire du public. Il peut être utile de clarifier le langage d’une image en écrivant un mot ou une légende afin de donner un contexte plus net à cette image... cela réduira les possibilités d'une lecture subjective, le message de l'image sera mieux compris par les lecteurs inexpérimentés dans ce bel état de « lecture contemplative »... Mais, bien sûr, le mieux, le plus sublime est de créer une image totalement autosuffisante qui ne souffrira aucune explication ou, au contraire, créer une image volontairement déroutante pour offrir une lecture personnelle pour chaque lecteur...

Le « style personnel » d'un photographe peut être considéré comme la manière dont il utilise ce langage pour transmettre un message. Les photographes y parviennent grâce à certains attributs :
Attributs techniques : du choix de l'exposition au choix du cadre, ces attributs font référence à la manière dont un photographe utilise l'appareil photo pour détailler et documenter son message.
Composition : il s’agit de la disposition esthétique des éléments pour transmettre un message au public.
Photographe : c'est le rédacteur ultime de cette dynamique de langage photographique. Le photographe est l'opérateur et connaître certaines informations sur la vision et le contexte du photographe facilitera la lecture des messages contenus dans les photographies créées à l'aide de ses yeux et de ses mains. Il est également important de connaître l'intention du photographe (les légendes des images peuvent nous y aider).

Toutes nos images ne transmettent pas quelque chose, et beaucoup d’entre elles demeureront dans l’espace vide entre les attributs mentionnés ci-dessus. Mais si elles transmettent un message à certains publics, nous pouvons considérer que nous empruntons le bon chemin...

La durée d'attention est vraiment perturbée de nos jours... il y a tellement de plateformes (a)sociales et même sur Internet. Créer quelque chose de super ne suffit plus pour capter l'attention, il faut écrire non pas un roman mais un excellent livre fondamental qui intéressera non seulement les personnes présentes, mais également les générations futures... C’est une route pavée de difficultés, certes, mais pas impraticable. Continuons d'essayer de réaliser des images significatives en gardant à l'esprit le lecteur potentiel. Nous pouvons utiliser la photographie pour délivrer un message simple (ou non), pour raconter une bonne histoire, pour transmettre un message plus complexe et inspirer quelqu'un, ou même pour créer ou transcender une histoire. Il y a un débat vieux comme le monde qui cherche à savoir si la photographie est un art ou non. J'en ai parlé à plusieurs reprises dans mon site, pour moi, la photographie devient un art lorsqu'elle parvient à rester dans l'esprit d'un seul lecteur, et le niveau de cet art sera défini par le temps pendant lequel la photo restera dans l'esprit de ce lecteur. Nous sommes tous, même photographes amateurs, des conteurs qui utilisons la lumière pour écrire des histoires complexes (ou non). Le chemin est difficile. Mais bon, si la route était facile, ce ne serait pas aussi intéressant ou amusant, vous ne croyez pas ?

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Il n'est jamais très simple de s'auto évaluer et il peut être encore plus difficile de reconnaître ses progrès en photographie. Vous pouvez avoir l'impression de stagner, alors qu'il n'en est peut-être rien, vous devriez regarder de plus près votre travail et vous verrez ce qu'il en est vraiment. Nous allons envisager ici cinq raisons qui vous prouveront que vous avez progressé (ou non) au fil des ans. Si vous vous reconnaissez dans au moins un de ces domaines, vous allez dans la bonne direction !

Composition
Lorsque vous comparez votre travail, vous n'avez pas seulement besoin de chercher l'amélioration entre votre toute première image et celle que vous avez créé aujourd'hui. Au contraire, définissez une période d'auto-évaluation. Il n'y a pas de prescription de durée, mais sachez que 1 an est un peu court, 5 ans est bien plus représentatif... Classez vos photos par date et donnez-vous rendez-vous dans cinq ans. Le progrès, s'il est présent, deviendra évident. Si les anciennes photos ne sont pas mauvaises, dans les dernières il y a un meilleur équilibre et une meilleure utilisation des lignes directrices et autres techniques de composition. Allez relire régulièrement mes autres pages pour réviser les tuyaux que je vous ai transmis.

Histogramme
Utilisez-vous régulièrement votre histogramme ? Il faut reconnaître que l'on a toujours tendance à le retirer de l'écran à ses débuts en photographie numérique. En omettant les informations contenues dans l'histogramme on se retrouve avec des photos mal exposées. Je me rappelle avoir fait la même chose au début. Si vous l'avez également fait et que vous comprenez maintenant l'histogramme et que vous l'utilisez pour vérifier si vos photos sont correctement exposées, bravo, vous progressez... Sinon, relisez mes pages pour bien apprendre à interpréter l'histogramme.

Objectifs
La plupart d'entre nous a commencé avec un boîtier et un objectif de kit. ATTENTION, ce n'est pas parce que vous avez acheté d'autres objectifs que vous avez progressé !... Mais si vous êtes engagé en photographie depuis un moment, vous avez probablement acquis quelques objectifs supplémentaires dans votre arsenal. Pour que ce soit bien clair, il ne faut pas que ce soit les objectifs les plus chers et cela ne signifie pas que vous devez en avoir plusieurs. Mais vous avez quelques options maintenant. Si vous avez la possibilité de choisir un objectif afin qu'il corresponde à la vision que vous avez dans la tête, cela signifie que vous avez progressé. Si vous vous limitez à l'objectif de kit, regardez les données EXIF de vos images, si vous utilisez préférentiellement une focale de votre zoom, c'est que vous avez acquis la conscience de votre focale de prédilection... cela signifie que vous avez progressé. Allez lire mes autres pages pour en apprendre plus sur le sujet.

Lumière
Qu'en est-il de la lumière ? Prenez-vous vos photos sous de meilleurs éclairages maintenant ? Comprenez-vous pourquoi vous le faites ? Le lever et le coucher du soleil sont considérés comme les meilleurs moments pour prendre des photos, mais savez-vous maintenant comment en tirer le meilleur parti pour ajouter de la texture et de la profondeur à vos photos ? Si vous le faites, cela signifie que vous faites des progrès. Il y a autre chose que j'aimerais ajouter ici. Si vous avez appris à transformer toutes les conditions d'éclairage en votre faveur, même au soleil de midi, je pense que cela signifie également que vous avez progressé. Allez lire mes autres pages pour en apprendre plus sur le sujet.

Post-traitement
Le travail de post-traitement est la meilleure façon de dire que quelqu'un est un nouveau photographe. Ils ont tendance à trop en faire, rendre les images trop nettes, sursaturer ou utiliser la HDR, ou traiter toutes les images de la même manière, quelle que soit la prise de vue. Avez-vous dépassé ces erreurs ? Si votre post-traitement est plus sophistiqué et que le travail de montage s'adapte à l'éclairage et à la scène, oui, vous avez progressé.
MAIS ce chapitre est double !!! Si vous n'utilisez plus ou quasiment plus de post-traitement c'est que vos images en sortie de boîtier sont excellentes... cela signifie également que vous avez progressé.

Il n'est pas rare d'avoir l’impression de ne pas progresser et même de régresser. Et lorsque vous vous sentez ainsi, il suffit de regarder votre travail récent à la lumière de ces cinq signes. Vous pourrez réaliser que vous vous êtes amélioré au fil des ans. Il y aura toujours beaucoup à apprendre, mais il est toujours bon de savoir que vous ne stagnez pas...

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Qu'est-ce que cela signifie d'être un photographe professionnel ? Beaucoup de gens vont supposer que l'étiquette « professionnel » signifie automatiquement que l'on crée des photos étonnantes. Mais est-il vrai que seuls les pros sont de grands photographes ? J'en ai déjà un peu parlé mais qui dit professionnel dit qui tirer son argent de ses photos, nulle part il est question de qualité d'image !!!... Voici trois raisons pour lesquelles il n'est pas nécessaire d’être un professionnel pour faire de superbes photos. Et si vous êtes un amateur, comme moi, vous allez pouvoir en bénéficier.

1) Les compétences n'ont rien à voir avec les revenus
Lorsque nous pensons aux « professionnels », nous nous référons principalement aux personnes dont tout le revenu (ou la majorité de celui-ci) provient de la photographie. Mais cela n'a rien à voir avec les compétences. Vous pouvez toujours avoir des compétences incroyables en tant que photographe, même si vous vivez de quelque travail complètement différent. Après tout, ce qui fait un « photographe professionnel », ce ne sont pas seulement les compétences en photographie (voire certains qui n'en ont pas ou peu !), mais aussi le marketing et les affaires. D'un autre côté, lorsque les gens vous demandent si vous êtes un photographe professionnel, ils ne font souvent pas référence à votre principale source de revenus. Si vous dites que vous êtes un professionnel, les gens pensent automatiquement que vous faites des photos incroyables. Si vous dites que vous êtes « juste un amateur », les gens penseront que vous n'êtes pas si bon que cela. MAIS, gardez à l'esprit que cela n'a rien à voir avec vous et que vos photos peuvent être (sont) très bonnes !...

2) Le matériel ne compte vraiment pas
Ok, parfois, le matériel peut être (est) important. Mais vous devez aussi penser aux autres aspects de la photographie, aux connaissances et aux compétences d’une personne, du photographe, du créateur des bonnes images. Et en tant qu'amateur, vous pouvez très bien être très bien formé et talentueux. Une autre chose à considérer est la différence entre les appareils photo. Il existe évidemment une grande différence entre un appareil photo à 100€ et un appareil photo à 1.000€. Mais entre un appareil de 1.000€ et 2.000€, elle n’est pas aussi importante... Donc, si vous êtes un amateur, vous pouvez toujours faire des photos impressionnantes même avec un équipement moins cher. On n'a jamais vu une superbe photo en se disant « Oh, ! Elle a été créée avec un appareil photo au top ! »

3) Un amateur ne photographie QUE ce qu'il aime.
En tant qu'amateur, vous avez un énorme avantage sur ceux qui vivent de la photographie. Vous ne tirez que pour l'amour de l'art. Vous ne photographiez que des choses qui vous rendent heureux et/ou qui vous passionnent. Bien sûr, ce n’est pas que les professionnels accepteront tous les concepts qui leur sont imposés. Mais quand même, ils commencent à regarder la photographie avec des yeux différents dès qu'elle commence à payer les factures. Je crois (j'en suis sûr en fait !) qu'il y a plus de pression sur les épaules du professionnel. En tant qu'amateur, vous avez le luxe de voir à perpétuité la photographie comme un élément qui vous rend heureux et vous aide à vous exprimer. Personnellement, je trouve que le troisième point peut être une excellente raison pour choisir de ne pas devenir professionnel s'il fallait prendre une décision d'orientation professionnelle. Ne pas vouloir être obsédé par l'investissement dans l'équipement et ne jamais devoir photographier quelque chose que l'on n'aime pas, simplement parce qu'il faut payer ses factures. Et honnêtement, voudriez-vous passer la moitié de votre temps à traiter avec des clients. De nombreuses années après notre choix d'orientation professionnelle, on s'aperçoit que l'on n'est pas franchement un grand photographe... mais que l'on s'est certainement amélioré. Un pro qui arrive à la même conclusion est déjà au chômage (ou sur le point de l'être !). Je crois que cela prouve que l'on n'a pas besoin d'être un professionnel pour faire de superbes photos... ou du moins pour faire de meilleures photos qu'il y a encore quelques années...

Pensez à tout cela, félicitez-vous d'être resté pur, d'être resté amateur, de poursuivre votre formation et vos compétences et de tirer plaisir et fierté de vous améliorer...

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